Allen Jones From the Gods

Almine Rech is pleased to present From the Gods, Allen Jones's third solo exhibition with the gallery, on view from April 26 to May 25, 2024.

"Prior to the cinema, visual artists depended on line and colour to create a sense of movement. A commission from Christian Louboutin gave me an actual chance to work with a moving image, the resulting video becoming part of his touring exhibition. This present Work shows the figure, again becoming involved with a sculpture that stands nearby. The sequence plays with our perception of space, 3D becomes 2D when the sculpture materialises behind her on the screen. She turns and embrace it and gradually becomes consumed by the building blocks of Art, light, line and colour."

— Allen Jones

There is an air of exuberant defiance permeating the works that Allen Jones has made since 2017, the period encompassed by this exhibition, when he turned eighty. These paintings, sculptures and hybrids between the two, which include some audacious new directions, constitute not only a vigorous refusal to back down from his lifelong pursuit of erotic imagery centred on female bodies but also a sense of celebration and wonderment that he should still be here at all. Like the astoundingly fresh paper cut-outs made by his hero Matisse during the decade preceding his death, this late flowering displays a youthful vigour, invention and joyful sense of abandon that easily match the trailblazing Pop Art on which Jones staked his reputation and place in art history in the early 1960s.

There are many nods in these recent works to Jones’s own artistic past, not least in the interaction between two and three dimensions – with some forms appearing to erupt from the flat surface of the painted support – and the constant interplay between the depiction of human and other immediately recognisable images, on the one hand, and, on the other, pure form, sensuous brushwork and high-keyed colour as carriers of emotion and sensation. That Jones has been one of the great colourists among British painters of his generation there can be no doubt. The abstracted landscapes against which sculpted figures seen in profile stride in Kind of Blue 2015 and Your Move 2015-17 suggest the plenitudes of endless vistas and a heightened experience of space, light and atmosphere, through colour and shape alone.

(From) The Gods 2017 harks back, but without any element of nostalgia, to Jones’s fascination with theatrical interiors made as long ago as the 1970s. Where the stage has previously functioned for him as a literal re-interpretation of the surface of the canvas as ‘an arena within which to act’ – to quote a famous description by the critic Harold Rosenberg of the large-scale paintings of the Abstract Expressionist ‘Action Painters’ – in this recent work he places the spectator in a position overlooking the painterly drama from a high, vertigo-inducing, perspective. The term ‘the Gods’ refers, of course, to the cheapest seats in the top balconies of a theatre. But it takes on a weightier import here in an almost Wagnerian sense, one in which the viewer is offered a momentary experience of a god-like command over a vast, never-ending, delirious abyss.

With Moving Picture and Premonition, both made in 2021, and Seeing Red as well as Hymn to Her from the following year, all large-scale works on hard surfaces rather than canvas, Jones creates surprising new adventures that expand on terms he had introduced into his art nearly six decades earlier in such works as Curious Woman 1964-5. In each of these one is made conscious of the miraculous manifestation of a mirage in succulent oil paint against the unyielding surface of the support. Jones’s willingness to try a variety of strategies – including the incorporation of printed posters and photographs, three-dimensional elements and even a photographic image printed directly on the prepared ground – opens up new avenues that could sustain him to his centenary. Equally impressively, his virtuoso handling of oils shows a command of the medium that outshines even the undoubted skill he had demonstrated in his youthful prime. His friend and colleague David Hockney, born in the same year and a fellow student at the Royal College of Art in 1959, is fond of the Chinese adage that ‘Painting is an old man’s art’. That long accumulated knowledge, and an ease born of experience, is much in evidence in these ambitious new works by Jones.

Though sculpture has been in dialogue with painting in Jones’s art since the mid-1960s, independent works in three dimensions have occupied an increasingly central position in his development since the 1980s. Some of the newest works, such as Shelf Figure 2023 and Stand – By Me 2024, take their cue from such early examples of totemic figures as 7th Man 1965, which had already introduced the notion of transparency as a way of conjuring a human presence from schematised elements reduced to their essentials.

The range of Jones’s invention, from streamlined abstraction to the hyper-real, has long been embodied particularly powerfully in the poles of his sculpture. The notorious women-as-furniture pieces of 1969 – in which life-sized, mannequin-like female figures double provocatively as a chair, a hatstand and a table `– remain as electrifying today as when they were made. In the left-hand panel of In Camera 2020 that same standing figure, conceived now as a video animation, appears to have come to life like a robotic creature more unnerving in her range of movement than the zombie Stepford Wives populating the 1972 future-horror satirical film by Ira Levin. The right-hand panel represents the stairs up to the consultation room used by Sigmund Freud at the home where he resided for 47 years at Berggasse 19 in his native Vienna, since 1971 open to the public as The Sigmund Freud Museum. This narrow passageway, through which patients could enter discreetly on their way to unburdening their most secret thoughts and fantasies, was painted from a photo taken by Jones himself; this suitably private unadorned space beckons us towards the strange apparition that is about to greet us on the landing as the materialisation of a dream by turns beguiling and disturbing. Did any Surrealist artist ever get closer than this to an expression of Freud’s concept of the uncanny? Luring us into the void, confronting us with the complexities of our own infinitely varied fantasy lives, Jones leaves us delightfully suspended as always between the here-and-now tangible reality of material existence and the evanescent, inexplicable spectacle lodged within the human imagination.

— Marco Livingstone, art critic

Almine Rech a le plaisir de présenter From the Gods, la troisième exposition personnelle d'Allen Jones à la galerie, du 26 avril au 25 mai 2024.

Un air de défi exubérant imprègne les œuvres qu'Allen Jones a réalisées depuis 2017, lorsqu'il a fêté ses quatre-vingts ans, la période que couvre cette exposition. Ces peintures, sculptures et hybrides entre les deux, qui incluent de nouvelles directions audacieuses, constituent non seulement un refus vigoureux de renoncer à la quête de toute sa vie d'imagerie érotique centrée sur les corps féminins, mais aussi un sentiment de célébration et d'émerveillement quant au fait qu'il soit encore là. À l'instar des papiers découpés d'une fraîcheur stupéfiante réalisés par son héros, Matisse, au cours de la décennie précédant sa mort, cette floraison tardive témoigne d'une vigueur juvénile, d'une invention et d'un sens de l'abandon pleins de joie qui n'a rien à envier au pop art révolutionnaire sur lequel Jones a assis sa réputation et sa place dans l'histoire de l'art au début des années 1960.

Ces œuvres récentes contiennent de nombreux clins d'œil au passé artistique de Jones, particulièrement dans l'interaction entre les deux et trois dimensions – certaines formes semblant surgir de la surface plane du support peint – et l'interaction constante entre la représentation d'images humaines et d'autres images immédiatement reconnaissables, d'une part, et, d'autre part, les formes pures, les coups de pinceau sensuels et les couleurs vives comme vecteurs d'émotion et de sensation. Il ne fait aucun doute que Jones est l'un des plus grands coloristes parmi les peintres britanniques de sa génération. Les paysages abstraits sur lesquels se détachent des figures sculptées de profil dans Kind of Blue (2015) et Your Move (2015-17) suggèrent les plénitudes de panoramas sans fin et une expérience accrue de l'espace, de la lumière et de l'atmosphère, par le seul biais de la couleur et de la forme.

(From) The Gods (2017) renvoie, mais sans aucun élément de nostalgie, à la fascination de Jones pour les intérieurs de théâtre datant des années 1970. Alors que la scène lui servait auparavant de réinterprétation littérale de la surface de la toile en tant qu'« arène dans laquelle agir » – pour citer une célèbre description du critique Harold Rosenberg des peintures à grande échelle des Action Painters de l'expressionniste abstrait – dans cette œuvre récente, il place le spectateur en surplomb du drame pictural par une perspective élevée et vertigineuse. Le terme « The Gods » (Les Loges) fait référence aux places les moins chères des balcons supérieurs d'un théâtre. Mais il prend ici une signification plus lourde, dans un sens presque wagnérien, où le spectateur se voit offrir une expérience momentanée de commandement divin sur un vaste abîme délirant qui n'en finit pas.

Avec Moving Picture et Premonition, réalisés en 2021, et Seeing Red ainsi que Hymn to Her de l'année suivante, toutes des œuvres de grande taille produites sur des surfaces dures plutôt que sur des toiles, Jones crée de nouvelles aventures surprenantes qui développent les termes qu'il avait introduits dans son art près de six décennies plus tôt dans des œuvres telles que Curious Woman (1964-65). Dans chacune de ces œuvres, on prend conscience de la manifestation miraculeuse d'un mirage dans une peinture à l'huile de cactus contre la surface inflexible du support. La volonté de Jones d'essayer une variété de stratégies – y compris l'incorporation d'affiches et de photographies imprimées, d'éléments tridimensionnels et même d'une image photographique apposée directement sur le fond préparé – ouvre de nouvelles voies qui pourraient le soutenir jusqu'à son centenaire. Tout aussi impressionnant, son maniement virtuose de l'huile témoigne d'une maîtrise de la technique qui surpasse même l'habileté incontestable dont il faisait preuve dans sa jeunesse. Son ami et collègue David Hockney, né la même année et étudiant au Royal College of Art en 1959 également, aime citer l'adage chinois selon lequel « la peinture est un art de vieil homme ». Cette longue connaissance accumulée et l'aisance née de l'expérience sont très présentes dans ces nouvelles œuvres ambitieuses de l’artiste.

Bien que la sculpture soit en dialogue avec la peinture dans l'art de Jones depuis le milieu des années 1960, les œuvres indépendantes en trois dimensions occupent une place de plus en plus centrale dans son développement depuis les années 1980. Certaines des œuvres les plus récentes, telles que Shelf Figure (2023) et Stand – By Me (2024), s'inspirent d'exemples précoces de figures totémiques comme 7th Man (1965), qui avait déjà introduit la notion de transparence comme moyen d'évoquer une présence humaine à partir d'éléments schématisés réduits à l'essentiel.

L'éventail des inventions de Jones, de l'abstraction épurée à l'hyperréalisme, s'est longtemps incarné de manière particulièrement puissante dans les pôles de sa sculpture. Ses célèbres femmes-meubles de 1969 – des figures féminines grandeur nature, ressemblant à des mannequins, qui s'utilisent, de manière provocante, comme une chaise, un porte-chapeau ou encore une table – sont tout aussi saisissantes aujourd'hui qu'à l'époque où elles ont été créées. Dans le panneau de gauche de In Camera (2020), cette même figure debout, conçue aujourd'hui comme une animation vidéo, semble avoir pris vie comme une créature robotique plus troublante dans sa gamme de mouvements que les zombies qui peuplent le livre de science-fiction satirique Les Femmes de Stepford d'Ira Levin (1972). Le panneau de droite représente l'escalier menant à la salle de consultation utilisée par Sigmund Freud dans la maison où il a résidé pendant 47 ans, Berggasse 19, à Vienne, sa ville natale, ouverte au public depuis 1971 sous le nom de Musée Sigmund Freud. Ce passage étroit, par lequel les patients pouvaient entrer discrètement pour aller dévoiler leurs pensées et leurs fantasmes les plus secrets, a été peint à partir d'une photo prise par Jones lui-même. Cet espace privé et sobre nous invite vers l'étrange apparition qui nous attend sur le palier, comme la matérialisation d'un rêve tour à tour séduisant et dérangeant. Un artiste surréaliste s'est-il jamais approché aussi près de l'expression du concept d'étrangeté de Freud ? En nous attirant dans le vide, en nous confrontant aux complexités de nos propres vies imaginaires infiniment variées, Jones nous laisse délicieusement en suspend, comme toujours, entre la réalité tangible et immédiate de l'existence matérielle et le spectacle évanescent et inexplicable ancré dans l'imagination humaine.

— Marco Livingstone, critique