De Wain Valentine

The Sensual Substance of the Sky:

The Art of De Wain Valentine

by Joachim Pissarro

All the work is about the sea and the sky. I would love to have somehow a magic saw, to cut out large chunks of ocean and sky and say, “Here it is.”

–  De Wain Valentine

I am now having an affair with the sea and the sky.

–  De Wain Valentine 

Almine Rech Gallery is about to present an exhibition of painting and sculpture by Californian artist De Wain Valentine (b. 1936). This will be the gallery’s first solo exhibition of the artist and the second to be held in Europe, of this artist who represents one of the most important veins of artistic creation in Los Angeles that developed in the mid-1960s, often referred to as Light and Space (in parallel, and somewhat in opposition to New York-based Minimalism). 

History is not a seamless string of dates that covers everything of significance that happens at a given date: there are plenty of holes and lacunae in the way history is written. From the mid-1940s to the 1970s, critical attention was mostly absorbed by what was happening in and about New York City : a few decades later, one has rediscovered that there were other centers of creative energy and experimentation, just as important as New York, that had fallen off the radars of official Art History. Artistic centers have almost always impacted the way we think about and value art : in the 18th century, it was Rome; from the 19th century up until the 1930s, it was Paris; from World War II until the 1970s, it was New York.

Today, mercifully, the situation is becoming more complex, richer, and, more truthful to the reality -- that never followed a linear model. Major American East Coast museums, such as MoMA, are paying increasing attention on the L.A. scene, and its vernacular take on Modernism : recently, MoMA acquired a major sculpture by Valentine (Triple Disk Red Metal Flake - Black Edge, 1966) -- please note that a sister piece of this sculpture Double Yellow Disk – Red Edge, 1966 is presented today at Almine Rech Gallery.

The early historical chasm between the two coasts has led to opening up a more fluid dialogue between the two coasts, as works by New York Minimalists (Judd, Flavin, Jo Baer) are seen, at MoMA again, in the context of L.A. 'Light and Space' artists, like DeWain Valentine, Craig Kauffman, John McCracken (whose work was exhibited at Almine Rech Gallery as early as in 1991).

The present exhibition of Valentine's work at Almine Rech Gallery can be seen in this new historical context, and constitutes another important step in the vast reappraisal of the important artistic force that developed in L.A. in the 1960s, and of Valentine's major role there up to now. 

The show at Almine Rech Gallery, a comprehensive overview, offers a unique opportunity for audiences to delve into Valentine’s work, one of remarkable technical virtuosity and perceptual experience. 

Spanning across several decades, different and utterly fascinating plastic-based media and technical methods (not traditionally used in Modernist sculpture), DeWain Valentine’s production has continually embodied a unique, quintessentially Southern Californian aesthetic. He is best known for large-scale, translucent resin cast sculptures in a variety of apparently simple, geometric shapes - that vary none the less greatly from the Minimalist grids and cubes. In short, artists such as Judd and LeWitt were concerned to achieve more a mechanical perfection, heightened by an interest in mathematic (or combinatorics). Valentine, on the other hand, was much more interested and excited by physics than by mathematics : his final goal was to endow his sculpture with a perfect gloss, a perfectly smooth 'finish' (which would take weeks and months of arduous physical efforts.)  His concerns with surface transparency and translucency, the use of industrial materials and processes, an emphasis on the qualities of prismatic color, and interest in the viewer’s perception and interaction connects him to the so-called Light and Space movement from the 1960s and 1970s. Overall, what should be emphasized as a principal and distinctive feature of DeWain Valentine's art (and his personality) are an unwavering attachment to an aesthetic of pure visual and haptic joy, and to a sensual, and uplifting celebration of outdoor life in the California of the 1960s.

The work of the Light and Space artists, who gathered around the fledgling, yet intense, art scene located on the coast of Venice, California, was influenced by the distinctive and unique qualities of the atmospheric landscape of Los Angeles, evoked by Clarence Thomas Urmy, a late 19th century poet from California:

The measurement of time and space,

The depth of deepest seas,

The distance of the faintest star —

 Noted for ethereal, luminous or shiny surfaces, the works by these artists not only evoked the Angeleno qualities of bright sunlight, filtered through expansive, foggy skies, but also relentlessly explored the viewer’s perceptual experiences, and the properties of non-traditional, industrial synthetic materials, which became available during those decades due to the booming postwar aerospace and manufacturing industries. According to Catherine Grenier, curator of the exhibition Los Angeles 1955-1985. Birth of an Art Capital (Centre Georges Pompidou, 2006), “If there is a single vector channeling Los Angeles artists as a whole […] it is the value set on experiment.” Artists included under the umbrella term of the Light and Space movement includes Peter Alexander, Larry Bell, Mary Corse, Robert Irwin, John McCracken, James Turrell, Craig Kauffman or Helen Pashgian, and, of course, DeWain Valentine -- although it should be said, as often in any group or movement, that few of these artists accept comfortably this label, or any label. Almine Rech Gallery's history is closely associated with this group, however : it is important to signal that the Gallery opened its first show with James Turrell (this was the first European gallery exhibition Turrell had in November 1989 in Paris); and in 1991, Almine Rech Gallery proposed the first exhibition of John McCracken in Paris.

‘Finish Fetish’ is another category employed to characterize the production of some of these artists, such is the case with DeWain Valentine. The term, often used by artist, critic and museum curator John Coplans, alludes to the embrace of new industrial technologies, surface slickness, and glossy, attractive colors. This love for the shiny, spruced up quality of the slick surfaces offered a common syntax to these artists, but spoke far more to the ubiquitous Southern California’s surf and automobile culture, than to the search for perfection that characterized East Coast Minimalism (conjuring industrial, mass production of geometric structures in perfect line with each other), whereas Valentine's surfaces are the result of painstaking physical act of sanding, and polishing an initially rough resin surface into a perfectly glass-like smooth surface.)

DeWain Valentine was born in Colorado, and arrived in L.A. in 1965 to teach a course in plastics technology at the University of California, Los Angeles (UCLA). He is regarded today among the earliest pioneers in the use of industrial plastics and resins to execute monumental sculptures that reflect the light and engage the surrounding space through its mesmerizingly translucent surfaces that arrest one's gaze. The artist’s first experience with plastics dates back to 1946 during a Junior High School course. He started to experiment with this kind of industrial materials at home – including fiberglass, recently declassified by the United States government after the Second World War – baking, molding and casting them. This technical knowledge, combined with his subsequent experience working with fiberglass-reinforced plastic in boat-building shops and painting automobiles, air planes, -- and even, according to some even, UFOs -- led to his fascination and artistic involvement with sculptures made out of colored plastic and polyester resin, all materials evoking a futurist era. 

Valentine’s technical excellence and inventiveness made him stand out from his contemporaries, namely through his remarkable contribution to the plastics industry. Willing to take risks, in 1966 Valentine carried out some experiments collaborating with a chemical engineer, and developed a new type of modified polyester resin that would enable him to cast monumental objects in a single pour -- a technical process that was just unconceivable until then. It was commercialized under the trade name of Valentine MasKat Resin. He thus started to work with this strong, stable and clear resin, creating larger than human-size sculptures that were integral to the architectural setting and functioned as space-modifiers, altering the spectator’s perception of the environment.

On view in the exhibition are both large-scale and smaller size colored sculptures. They range from simple geometrical forms, such as slab columns or solid circles fabricated in cast polyester resin, to brightly spray-painted concave disks made of fiberglass-reinforced plastic. Whichever the format or the color, the artworks, with their smooth, highly-polished translucent surfaces explore the material’s ability to carry and reflect light.  Valentine is concerned with the transparent and diffractive qualities of spectral color, whose prismatic break-up effects become evident to the viewer with fluctuating light conditions.

These circular and columnar sculptures often convey a distinctive atmospheric effect : Valentine enjoyed how, by dripping a small volume  of ink or liquid color, it would remain almost magically suspended in space, refusing to dilute totally within the mass of liquid resin: Valentine loved these physical 'accidents' : he refers to them as his 'clouds.' Indeed, they have an eerie capacity to convey the effect of a cloud in a sky, or the effect of the smog on the atmosphere.

The particular forms of these sculptures are of particular note, as well : columns or prisms tend to be thicker at the bottom and thinner at the top, often resulting in something like a thin pyramidical structure. The case of circular sculptures is even more complex : the top is also thinner than the base, but the thinnest part is the center of these disks formed of a double concave circle – a signature form in Valentine's repertoire. Their color-scheme varies from dense tones at the thick parts to evanescent tonalities at the thinner areas; his chromatic palette tends to evoke mother-of-pearl, or a condensed summary of the rainbow range of colors. The paler the color is, the stronger the light refraction. Surfaces and color are translucent -- although it is easy to miss this particular attribute of Valentine's sculpture. As one stand, facing the surface of some of these sculptures, one can gaze through this translucent resin-based substance, as one becomes aware of the inner space and the space beyond it, as if our eyes could enter through and penetrate something that our physical body could never do. In Valentine’s own words: “I am fascinated by the idea of being aware of the outer surface of an object, of seeing through it and of seeing also the inner surface.”  This statement also reflects the artist’s concerns with the viewer’s perception and the phenomenological possibilities triggered by his artworks. These awe-inspiring viewing experiences are heightened by the sculptures’ responsiveness to and activation of their environments. Valentine skillfully juxtaposes the literal objecthood with the illusionist effects of atmospheric light, solidified sky, and contained fluid color.

On view as well are examples of Valentine’s most recent paintings. Evoking a minimalist language permeated by sensuality, they are nonetheless illusionistic in their suggestion of a painted atmospheric surface and a glowing horizon line, made with acrylic polymer resin.

Valentine’s preoccupation with synthetic new materials and a wide range of visual and optical phenomena impacting the viewer’s perceptual experience places him within the long tradition of artists attempting to address the intangible qualities of atmosphere and light through the intersection of technique, science and art.

DeWain Valentine lives and works in Los Angeles, California. He has shown extensively with one-man exhibitions at institutions and galleries such as Ace Gallery, Los Angeles (1968; 2010); Galerie Bischoberger, Zürich (1969); Pasadena Art Museum, today Norton Simon Museum (1970); La Jolla Museum of Contemporary Art, California (1985); Los Angeles County Museum of Art (1979); and Honolulu Academy of Arts, Hawaii (1985). He has also been included in many noteworthy surveys, most recently Pacific Standard Time : Crosscurrents in LA Painting and Sculpture, 1950-1970 at Paul Getty Museum, Los Angeles (2011) and Martin-Gropius-Bau in Berlin (2012), West! Frank Gehry and the Artists of Venice Beach, 1962-1978 at the Frederick R. Weisman Art Museum, Minneapolis (2005), and the collective show Primary Atmospheres: Works from California 1960-1970 at David Zwirner, New York (2010). For his efforts as an artist, DeWain Valentine has been awarded both the John Simon Guggenheim Fellowship and the National Endowment for the Arts Grants. 

On the occasion of the exhibition, Almine Rech will publish an illustrated catalogue with an essay by Art Historian and Author Joachim Pissarro.

Sensualité et substance du ciel :

L’art de DeWain Valentine

(Joachim Pissarro)

Toute mon œuvre se rapporte à la mer et au ciel. Si j’avais une scie magique, je découperais de gros morceaux de l’océan et du ciel et je dirais : « Voici. »

–  DeWain Valentine

J’entretiens une liaison avec la mer et le ciel.

–  DeWain Valentine 

La galerie Almine Rech présentera prochainement une exposition de peintures et sculptures de l’artiste californien DeWain Valentine (°1936). Il s’agira de la première exposition individuelle de l’artiste à la galerie, et de la seconde en Europe. DeWain Valentine est un représentant de l’un des courants les plus importants de la création artistique à Los Angeles, un courant qui s’est développé au milieu des années 1960, souvent appelé « Light and Space » (en parallèle et, parfois, en opposition, au minimalisme new-yorkais).

L’histoire ne se constitue pas d’une suite ininterrompue de dates qui couvrent tout événement significatif ayant eu lieu à un moment donné : il y a bien des trous et bien des lacunes dans la manière dont on écrit l’histoire. De la moitié des années 1940 jusque dans les années 1970, la critique a tourné son attention vers ce qui se passait à et autour de New York : quelques décennies plus tard, on a redécouvert l’existence d’autres centres de créativité et d’expérimentation tout aussi importants que New York, mais qui étaient passés inaperçus dans l’histoire de l’art officielle. Les pôles artistiques ont presque toujours eu un impact sur notre manière de considérer et d’évaluer l’art : au XVIII^e siècle, c’était Rome ; du XIX^e siècle aux années 1930, c’était Paris ; de la Seconde Guerre mondiale aux années 1970, c’était New York. 

Aujourd’hui, heureusement, la situation est plus complexe, plus riche et plus proche de la réalité – qui n’a d’ailleurs jamais suivi un modèle linéaire. D’importants musées de la côte Est des États-Unis, comme le MoMA, prêtent une attention accrue à la scène artistique de Los Angeles et à son approche vernaculaire du modernisme. Le MoMA a récemment fait l’acquisition d’une sculpture majeure de DeWain Valentine (« Triple Disk Red Metal Flake – Black Edge », 1966) et il est à noter qu’une pièce sœur de cette sculpture – « Double Yellow Disk – Red Edge », 1966 – est aujourd’hui présentée à la galerie Almine Rech. 

L’abîme traditionnel qui sépare les côtes Est et Ouest des Etats-Unis a fait place à l’ouverture d’un dialogue plus fluide entre l’une et l’autre. Ainsi, des œuvres de minimalistes new-yorkais comme Judd, Flavin ou Jo Baer sont exposées, au MoMA à nouveau, dans le cadre d’une exposition sur les artistes « Light and Space » de Los Angeles, comme DeWain Valentine, Craig Kauffman ou John McCracken (dont des œuvres ont été présentées à la galerie Almine Rech dès 1991).

On peut envisager l’exposition consacrée à DeWain Valentine à la galerie Almine Rech en fonction de ce nouveau contexte historique. Elle constitue une nouvelle étape dans l’ambitieuse réévaluation de cet important mouvement artistique qui s’est développé à Los Angeles dans les années 1960, et du rôle que Valentine y a joué jusqu’à aujourd’hui. 

L’exposition présente un aperçu global de la carrière de Valentine. Elle offre au public une occasion unique de découvrir une œuvre d’une remarquable virtuosité technique, centrée sur la perception du spectateur. 

L’œuvre de Valentine, qui s’étend sur plusieurs décennies et repose sur une diversité de techniques et de fascinants médiums à base de plastique (celui-ci n’étant traditionnellement pas utilisé dans la sculpture moderniste), a toujours incarné une esthétique unique, typique de la Californie du Sud. On en connaît surtout les grandes sculptures translucides en résine dans des formes géométriques d’apparence assez simple, mais qui néanmoins se distinguent nettement des grilles et des cubes minimalistes. Succinctement, des artistes comme Judd et LeWitt recherchaient une perfection mécanique et avaient un penchant particulier pour la mathématique (ou la combinatoire). Valentine, à l’opposé, s’intéresse beaucoup plus à la physique qu’aux mathématiques : il souhaite donner à ses sculptures un lustre parfait, une « finition » absolument lisse (demandant des semaines et des mois d’intenses efforts physiques). Diverses caractéristiques le lient au mouvement « Light and Space » des années 1960 et 1970 : un intérêt pour la transparence, ou, plus précisément, la translucidité des volumes qu'il traite; l’utilisation de matériaux et de procédés industriels ; l’accent mis sur les qualités de la couleur prismatique ; un penchant pour le jeu sur la perception du spectateur et pour l’interaction de ce dernier avec l’œuvre. D’une manière générale, le trait principal de l’art de Valentine (et de sa personnalité) est son attachement inconditionnel à une esthétique qui repose sur une joie visuelle et tactile pure, et à une célébration sensuelle et optimiste de la vie au grand air dans la Californie des années 1960.

Le travail des artistes « Light and Space », rassemblés autour de la foisonnante scène artistique de Venice en Californie, fut influencé par les caractéristiques du paysage atmosphérique de Los Angeles, évoqué par Clarence Thomas Urmy, un poète californien de la fin du XIX^e siècle :

La mesure du temps et de l’espace,

La profondeur des mers les plus profondes,

La distance à l’étoile la plus éloignée –

Célèbres pour leurs surfaces éthérées, lumineuses, brillantes, leurs œuvres n’évoquent pas seulement les qualités « angelenas » de la lumière du soleil, filtrée par de vastes cieux brumeux, mais explorent également sans relâche la perception du spectateur et les propriétés des matières synthétiques industrielles non traditionnelles, qui devinrent disponibles à cette époque grâce au boom des industries aérospatiale et manufacturière dans l’après-guerre. Selon Catherine Grenier, commissaire de l’exposition « Los Angeles 1955-1985. Birth of an Art Capital »(Centre Georges Pompidou, 2006), « S’il y a un vecteur qui guide les artistes de Los Angeles dans leur ensemble […] c’est l’importance attachée à l’expérimentation. » Les artistes que désigne le terme générique de « Light and Space » incluent Peter Alexander, Larry Bell, Mary Corse, Robert Irwin, John McCracken, James Turrell, Craig Kauffman, Helen Pashgian et, bien sûr, DeWain Valentine. Cependant, comme c’est souvent le cas avec un groupe ou un mouvement, peu de ces artistes s’accommodent de cette étiquette, ou d’une quelconque étiquette. L’histoire de la galerie Almine Rech est pourtant étroitement liée à ce groupe : la galerie a ouvert sa première exposition avec James Turrell (il s’agissait de sa première exposition européenne en galerie, en novembre 1989 à Paris) et en 1991, Almine Rech a présenté la première exposition de John McCracken à Paris. 

« Finish Fetish » (le fétiche de la finition) est un autre terme employé pour caractériser l’œuvre de certains de ces artistes, dont Valentine. Le terme, souvent utilisé par l’artiste, critique et directeur de musée John Coplans, se rapporte à l’adoption de nouvelles technologies industrielles, aux surfaces polies, et aux couleurs miroitantes et attirantes. Cet amour des surfaces lisses, brillantes, luisantes constituait une syntaxe commune à ces artistes, et se rapportait davantage à l’omniprésente culture surf et automobile de la Californie du Sud qu’à la recherche de la perfection qui caractérisait le minimalisme de la côte Est (conjurant une production industrielle de masse de structures géométriques parfaitement harmonisées, alors que les surfaces de Valentine sont le résultat d’un travail physique intense, consistant à polir une surface de résine initialement rugueuse pour en faire une surface aussi lisse que du verre).

Né dans le Colorado, Valentine déménage à Los Angeles en 1965 pour donner un cours sur la technologie des plastiques à l’Université de Californie à Los Angeles (UCLA). Il est aujourd’hui considéré comme l’un des pionniers de l’utilisation de plastiques et résines industriels dans la création de sculptures monumentales qui reflètent la lumière et impliquent l’espace environnant à travers leurs fascinantes surfaces translucides qui retiennent le spectateur. Sa première expérience avec le plastique remonte à 1946, lorsqu’il était au collège. Il avait commencé chez lui à expérimenter avec des matériaux industriels – y compris la fibre de verre, déclassifiée par le gouvernement des États-Unis après la Seconde Guerre mondiale. Il les cuisait, les faisait fondre et les moulait. Ce savoir-faire technique – combiné avec son expérience acquise ultérieurement en travaillant le plastique renforcé à la fibre de verre dans des ateliers de construction navale et en peignant des automobiles, des avions et même, selon certains, des engins ressemblant fort à des OVNI – mena à sa fascination pour et à son implication artistique dans des sculptures faites à partir de plastique coloré et de résine de polyester – matériaux évocateurs d’une ère futuriste. 

Le savoir-faire technique et l’inventivité de Valentine l’ont démarqué de ses contemporains, notamment grâce à sa remarquable contribution à l’industrie plastique. Prêt à prendre des risques, Valentine collabora à des expériences avec un ingénieur chimiste en 1966, et développa un nouveau type de résine de polyester modifiée qui allait lui permettre de mouler des objets monumentaux d’un seul geste – un processus technique inconcevable jusqu’alors. Cette invention fut commercialisée sous le nom de « Valentine MasKat Resin ». Il commença donc à travailler avec cette résine puissante, stable, claire, créant des sculptures plus grandes que nature qui faisaient partie intégrante du paysage architectural et fonctionnaient comme des modificateurs d’espace, altérant chez le spectateur la perception de l’environnement. Gray Column, au sein de la présente exposition, offre un parfait exemple de l'application de la découverte de ce procédé.

L’exposition présentera de vastes sculptures colorées ainsi que des œuvres de moindres dimensions. Les oeuvres sculptées de Valentine varient, allant de simples formes géométriques, comme des colonnes en forme de blocs ou des cercles pleins fabriqués en résine de polyester moulée, à des disques concaves peints à la bombe et fabriqués à partir de plastique renforcé à la fibre de verre. Quels que soient leurs formats ou leurs couleurs, ces œuvres aux surfaces lisses et translucides explorent la capacité de la matière à porter et à réfléchir la lumière. Valentine s’intéresse à la transparence et à la diffraction de la lumière, dont les effets de fragmentation prismatique deviennent évidents pour le spectateur sous l’impact d’une lumière fluctuante. 

Qu’il s’agisse de cercles ou de colonnes, ces sculptures ont souvent un effet atmosphérique particulier : Valentine prenait plaisir à voir comment, en faisant s’écouler goutte à goutte un filet d’encre ou de liquide coloré, des perles restaient presque magiquement suspendues dans l’espace et refusaient de se diluer entièrement dans la masse de résine liquide. Valentine adore ces « accidents » physiques : il les appelle ses « nuages ». En effet, elles ont une capacité, presque sinistre, à simuler un nuage sombre dans le ciel ou du smog dans l’atmosphère. 

Les formes distinctes de ces sculptures offrent une autre particularité : ces colonnes ou ces prismes ont tendance à reposer sur une base plus épaisse, dont le volume s'affine vers le sommet, ressemblant de la sorte à une fine structure pyramidale. Le cas des sculptures circulaires est plus complexe : le sommet est également plus fin que la base, mais la partie la plus fine est le centre de ces disques composés d’un double cercle concave, une forme, insolite, mais parfaitement typique au sein du répertoire de Valentine. Les valeurs chromatiques varient de même, passant de tons denses dans les parties épaisses à des tonalités évanescentes dans les parties plus fines. Sa palette de couleurs, riches et bigarrées, évoque parfois  la nacre, ou un condensé des couleurs de l’arc-en-ciel. Plus la couleur est pâle, plus la réfraction de la lumière est forte. Les surfaces et les couleurs sont toutes plus ou moins translucides – bien qu’il soit facile de passer à côté des sculptures de Valentine en négligeant cette caractéristique qui leur est propre. Se tenant debout face à la surface de certaines sculptures, même les plus denses, un spectateur peut, néanmoins, voir à travers cette substance translucide à base de résine et devient ainsi conscient de l’espace intérieur et de l’espace au-delà, comme si nos yeux pouvaient pénétrer là où notre corps physique ne pourrait jamais le faire. « Je suis fasciné par l’idée d’être conscient de la surface extérieure d’un objet, » dit Valentine, « de voir à travers celui-ci et d’en percevoir la surface interne. » Cette déclaration reflète également l'intérêt de l'artiste pour la perception du spectateur et les possibilités phénoménologiques engendrées par ses œuvres. Ces impressionnantes expériences autour de la perception sont accentuées par la réactivité des sculptures vis-à-vis de leur environnement et par la manière dont celles-ci l’activent. Valentine juxtapose habilement l’« objectalité » littérale de ces volumes, qui mettent en contraste, tout en les intensifiant, une multitude d'effets illusionnistes d’une lumière atmosphérique indéfinissable, d’un pan de ciel solidifié, de fins nuages de couleur fluide retenue en suspens. 

Les visiteurs de l’exposition pourront également voir quelques exemples des dernières peintures de Valentine. Bien qu’elles évoquent un langage minimaliste empreint de sensualité, elles sont néanmoins, elles aussi illusionnistes dans la manière dont elles suggèrent une surface atmosphérique peinte et une ligne d’horizon rougeoyante, élaborées à partir de résine polymère acrylique.

Le penchant de Valentine pour jouer avec de nouveaux matériaux synthétiques, lui permet de décliner une vaste gamme de phénomènes visuels et optiques, et de modifier ainsi, à son gré, la perception du spectateur. Cette série de gestes créatifs, et d'intérêts poétiques placent l'œuvre de Valentine au sein d'une longue tradition d’artistes qui explorent les qualités intangibles de l’atmosphère et de la lumière, à la croisée de la technique, de la science et de l’art.

DeWain Valentine vit et travaille à Los Angeles en Californie. De nombreuses expositions individuelles lui ont été consacrées dans des institutions et des galeries notoires, telles, la Ace Gallery de Los Angeles (1968; 2010), la Galerie Bischofberger de Zürich (1969), le Pasadena Art Museum, le Norton Simon Museum (1970), le La Jolla Museum of Contemporary Art de Californie (1985), le Los Angeles County Museum of Art (1979) et la Honolulu Academy of Arts de Hawaii (1985). Il fut également inclus dans diverses rétrospectives majeures, dont « Pacific Standard Time : Crosscurrents in LA Painting and Sculpture, 1950-1970 » au Paul Getty Museum à Los Angeles (2011) et au Martin-Gropius-Bau à Berlin (2012) ; « West! Frank Gehry and the Artists of Venice Beach, 1962-1978 » au Frederick R. Weisman Art Museum de Minneapolis (2005), ainsi que dans l’exposition collective « Primary Atmospheres: Works from California 1960-1970 » chez David Zwirner à New York (2010). DeWain Valentine a reçu une « John Simon Guggenheim Fellowship » et une bourse du National Endowment for the Arts.

A l’occasion de l’exposition, Almine Rech publiera un catalogue illustré contenant un essai de l'historien d'art et auteur, Joachim Pissarro.