Claudio Abate Arte Povera - Roman art scene, Curated by Natacha Carron

CLAUDIO ABATE

“Claudio took photographs of several of my works with thought and tenderness, all the while understanding his surroundings and capturing the drama created by these instances of formal disruption.”
- Jannis Kounellis

Almine Rech Gallery is pleased to present a selection of photographs bearing witness to the unique moments immortalised by Claudio Abate during the emergence of the Arte Povera movement in Rome.

It was a period when Abate’s chosen synchronies made way for the natural, the ephemeral, and the instinctive, be it in live performances he experienced or in the photographic freeze-frames he captured ranging from Vedova blu by Pino Pascali (1968) to Rovesciare i propri occhi by Giuseppe Penone (1970), from 120 metri al secondo by Maurizio Mochetti (1971) to the iconic Cavalli with Jannis Kounellis in 1969.

This exhibition not only aims to shed light on the way Abate’s photographs are able to perfectly render the works of extraordinary artists and to capture unique performances but also suggests that each image can be appreciated as an art piece in its own right. More than just a photographer, he became a true eyewitness of unforeseen artistic revolutions in Europe. His shots constitute precious documentation of events of which we would otherwise have no record and are therefore emblematic of a period. After World War II – and in the wake of Dada – new creative upheavals arose, owing namely to artists such as Beuys who challenged the boundaries not only of sculpture, art, and creation but seemingly all sectors of life. Anyone could be an artist according to the simple logic that the work to be made was the world itself. No more, no less. In a specifically Italian context, Lucio Fontana and Piero Manzoni had already begun to explore (each in their own manner) how to widen the field of artistic action. As a refusal of consumer society’s mannerisms, Arte Povera followed on from Beuys and opted for all things natural, instinctive and ephemeral. They broke down the barriers between art forms such as music and theatre and blurred even greater lines: between art and life. Claudio Abate joined the group in order to create a tabula rasa which would be his starting point for action. Indeed, since his first encounter with Carmelo Bene and the Teatro Laboratorio in 1959 during a show called 'Happening', he saw how he could sum up all of the scenes in one simple vision. Claudio Abate was present in the front row, in Rome during the birth of the Arte Povera movement. L’Attico gallery held 'Spazio degli elementi. Fuoco, Immagine, Acqua, Terra' ('The space of the elements. Fire, Image, Water Earth') which included works by Jannis Kounellis, Pino Pascali, and Pistoletto. No materials were forbidden and a new poetics of space was instituted. All energies were activated: take for example works such as Marisa Merz’s Scarpette. It was felt that objects should be left behind in order to unleash the potential of eventual experiments and experiences.

Several Arte Povera artists were invited to participate in 'When Attitudes Become Form', Harald Szeemann’s seminal exhibition at Kunsthalle Bern in 1969; this was the occasion for them to perfect new schematics of thinking based on an osmosis between nature and culture which would upturn the art world. Mario Merz then went on to invent his first Che fare igloo; Pascali created his renowned Vedova blu; and Kounellis – the iconoclast – let loose twelve live horses at L’Attico gallery.  Claudio Abate instantly saw how these artists were to create a new relationship with time and space based upon a direct experience of reality. His challenge was then to capture this liveliness, this human aspect and sheer energy within his photographs. For the Arte Povera artists, space was not a just a thing – but rather a reality which allows discrete materials and objects to enter into relationship with one another, forming an “alchemical” mix of the mundane and the noble.

Performances are temporal, spatial and emotional situations which take place at a determined place and time according to a defined length, before a small audience or perhaps even no audience at all. Once a work which exists only simultaneously with this hic et nunc experience is over, the question of its preservation arises. Many actions were brought to their audience solely by means of photography, particularly once printed. While of course the artists valued the documentary power of the photographic image, alongside Claudio Abate they also gauged the artistic potential of a medium that was to partly shape the aesthetics of their practice.

“I had to use just one image to sum up the entirety of a work, because quite often only one photographic reproduction is favoured; it has to accurately represent both the piece and the artist’s intention. The artist himself must recognise it and accept it as the definitive image of his work, as if it were his own.”

Abate’s gaze transcended each artist’s intention to fully grasp an action unfolding in time. He not only understood what would be left of the performance, but what is or was in essence. He created images which were of his own invention, often co-creating the work placed on the other side of his lens. His idiosyncratic use of black and white created a unique visual dimension, urging us to use our imagination regarding the materials we see. He inhabits the enigmatic shadows cast by backlit objects, the spaces which seem impenetrable to the eye. Abate’s work is characterised by light within darkness, all the more important than the trivial clarity of day. The surfaces and depths of his images have shimmering, iridescent accents recalling the beauty of Byzantine icons: chiaroscuro, ineffably discursive, fixed and fugitive, naturally illusive, artificially real. But what we are really dealing with here is a man, searching for himself and for a meaning that lies somewhere between artistic technique and metaphysics.     

- Natacha Carron

CLAUDIO ABATE

“Claudio a photographié plusieurs de mes œuvres, avec attention et sensibilité, en évaluant l’espace et en cueillant le drame qu’imposaient ces différents moments de bouleversement formel ”. 
- Jannis Kounellis

La galerie Almine Rech présente une sélection de photographies témoignant des instants uniques que Claudio Abate a pu immortaliser avec l’émergence du mouvement Arte povera à Rome.

Une période de synchronies électives qui laissaient place à l'instinct, au naturel et à l'éphémère, tant dans les performances vécues que dans ses captations photographiques : depuis Vedova blu de Pino Pascali (1968) à Rovesciare i propri occhi de Giuseppe Penone (1970), et de 120 metri al secondo de Maurizio Mochetti (1971), et l’iconique Cavalli avec Jannis Kounellis en 1969.

Cette exposition souhaite d’une part illustrer la manière dont les images d’Abate sont capables de représenter parfaitement les œuvres d’artistes extraordinaires, et de réaliser des instantanés de performances uniques, mais aussi d’autre part démontrer que chacune de ces images peut également être considérée comme une œuvre d’art à part entière. Plus que simple photographe, il devient le véritable témoin oculaire de révolutions artistiques sans précédent en Europe. Ses déclics, seule et précieuse documentation d’évènements dont nous n’aurions autrement aucune trace sont alors de véritables emblèmes de toute cette époque. Dans le sillage de Dada, de nouvelles révolutions artistiques émergent après la seconde guerre mondiale, notamment avec Beuys qui élargit les concepts de sculpture, d’art et de création à tous les domaines de la vie. Tous les hommes sont artistes pour la simple et seule raison que l’œuvre à réaliser c’est le monde. Ni plus, ni moins. Sur le plan artistique spécifique à l'Italie, Lucio Fontana et Piero Manzoni avaient déjà posé, chacun à leur manière, la question de l'élargissement possible du champ d'action artistique. Refusant les maniérismes d'une société vouée à la consommation, l'Arte povera s’inscrit dans l’héritage de Beuys et privilégie l'instinct, le naturel et l'éphémère. C’est à ce groupe qui abolit les frontières traditionnelles entre les différentes formes d’art, musiques, théâtre, et au-delà, entre l’art et la vie, que Claudio Abate s’unit pour une « tabula rasa », à partir de laquelle il va pouvoir agir. En effet depuis sa rencontre en 1959 avec Carmelo Bene et le Teatro Laboratorio, où le spectacle s'appelle 'Happening', il trouve le moyen de synthétiser les scènes en une seule vision. Claudio Abate assiste à Rome à l'émergence du mouvement aux premières loges. La galerie L'Attico programme 'Spazio degli elementi. Fuoco, Immagine, Acqua, Terra' ('Domaine des éléments. feu, image, eau, terres'), où figurent Janis Kounellis, Pino Pascali et Pistoletto. Nul matériau ne semble être banni, on assiste à la mise en place d'une nouvelle poétique de l'espace en tant que lieu d'activation de toutes les énergies, comme c'est le cas pour les œuvres réalisées par Marisa Merz Scarpette. Il convient désormais de sortir de l'objet pour débloquer toutes les expérimentations évènementielles.

Suite à la participation des artistes de l'Arte povera à l'exposition 'Quand les attitudes deviennent formes', organisée par Harald Szeeman à Berne en 1969, les artistes romains vont mettre en place une écriture nouvelle sur le principe d’une osmose entre la nature et la culture et bouleverser le monde de l’art : Mario Merz invente son premier igloo Che fare. Pascali met en espace sa redoutable Vedova blu. Kounellis, dans un geste iconoclaste, installe douze chevaux vivants à la galerie l’Attico. Claudio Abate perçoit immédiatement qu’avec ces installations les artistes vont engendrer un nouveau rapport aux temps, à l’espace basés sur l’expérimentation directe du réel. Le challenge est là, contenir du vivant, de l’humain et de l’énergie vivante à travers ces photographies. Pour ces artistes l’espace, n’est pas à prendre comme une chose en soi, mais comme une réalité qui met en relation des matières et des objets différents, formant un mélange « alchimique » entre trivial et noble.

La performance correspond à une situation temporelle, spatiale et émotionnelle, réalisée à une date précise et dans un lieu déterminé, selon une durée limitée, en présence d’un public restreint ou parfois sans public. Lorsque l’œuvre se confond avec l’expérience « hic et nunc » de son accomplissement surgit la question de sa mémoire. Nombre d’actions ne trouvèrent leur public que par le biais de la photographie, en particulier lorsqu’elle a été éditée. Si les artistes ont réfléchi au pouvoir documentaire des images photographiques, ils ont tout autant mesuré avec Claudio Abate les potentialités plastiques d’un médium qui a assurément conditionné pour partie l’esthétique de leur pratique.

« Il fallait que je résume en une seule image l’ensemble de l’œuvre, car souvent il ne reste qu’une seule reproduction de ce genre de travail, et il faut qu’elle représente complètement l’œuvre et la pensée de l’artiste, il faut que l’artiste lui-même la reconnaisse et l’accepte en tant qu’image définitive de son travail, comme si c’était la sienne ».

Mais son regard transcende la proposition artistique, elle anticipe l’événement dans le temps. Non seulement de ce qu’il restera mais de ce qui est. Il fait surgir une image qui est sa propre invention co-réalisant dans la plupart des cas le travail lui-même. L’usage singulier du noir et blanc chez Abate procure une dimension oculaire unique, inscrit dans l’imagination de la matière. Il Investit le rayonnement énigmatique de l’ombre des objets pénétrés d’une lumière antérieure, celle qui ne s’atteint pas avec les yeux. La lumière de l’ombre est celle qui le caractérise le plus, infiniment plus prégnante que la clarté triviale du jour. La surface et la profondeur de ces photographies ont des accents moirés où s’y chatoie la beauté des icônes byzantines : clair-obscur, discursif-ineffable, fixe-fugitif, nature-illusion, réel-artifice. C’est bien de l’homme qu’il s’agit, l’homme en quête de soi et de sens entre la technique et la métaphysique. 

- Natacha Carron

CLAUDIO ABATE 
 

“Claudio heeft verscheidene van mijn werken op een aandachtige en zorgvuldige manier gefotografeerd, waarbij hij de ruimte evalueerde en het drama vastlegde dat voortvloeide uit die verschillende momenten van grote verandering”. 
- Jannis Kounellis

Almine Rech Gallery presenteert een reeks foto’s waarop Claudio Abate unieke momenten heeft vereeuwigd gedurende de opkomst van de arte povera-beweging in Rome.

Het was een periode van gelijktijdige gebeurtenissen die plaats bood aan instinct, ongekunsteldheid en het vergankelijke, zowel in de beleving van performances als in de foto’s die daarvan werden gemaakt: van Vedova blu van Pino Pascali (1968) tot Rovesciare i propri occhi van Giuseppe Penone (1970), en van 120 metri al secondo van Maurizio Mochetti (1971) tot het iconische Cavalli van Jannis Kounellis in 1969. In deze tentoonstelling willen we enerzijds laten zien dat de foto’s van Abate de werken van bijzondere kunstenaars op een perfecte manier uitbeelden en unieke performances hebben vereeuwigd, maar anderzijds willen we aantonen dat elk van deze foto’s ook als een kunstwerk op zich kan worden beschouwd. Abate wordt méér dan alleen een fotograaf; hij wordt een ware ooggetuige van kunstrevoluties die zich nooit eerder in Europa hadden voltrokken. Zijn werken zijn de enige, kostbare documentatie van gebeurtenissen waar anders geen enkele herinnering aan zou bestaan. Het zijn symbolen van een heel tijdperk.

In het kielzog van het dadaïsme ontstaan na de Tweede Wereldoorlog nieuwe kunstrevoluties, vooral rondom de beeldend kunstenaar Beuys, die de begrippen beeldhouwkunst, kunst en kunstwerk verruimt tot alle domeinen van het leven. Alle mensen zijn kunstenaars om de eenvoudige reden dat het te vervaardigen kunstwerk de wereld is. Niets meer, niets minder.
In de Italiaanse kunstwereld hadden Lucio Fontana en Piero Manzoni reeds elk op hun eigen manier nagedacht over de mogelijke verruiming van de werkingssfeer van de kunst.
De arte povera-beweging weigert de gekunsteldheid van een maatschappij waarin alles om consumptie draait, baseert zich op de erfenis van Beuys en geeft ruim baan aan instinct, ongekunsteldheid en het vergankelijke. Bij deze groep, die de traditionele grenzen tussen de verschillende vormen van kunst, muziek en theater en zelfs tussen de kunst en het leven afschaft, sluit Claudio Abate zich aan voor een tabula rasa op basis waarvan hij aan het werk kan gaan. Vanaf zijn kennismaking in 1959 met Carmelo Bene en het Teatro Laboratorio, waar voorstellingen ‘Happenings’ worden genoemd, vindt hij een manier om de scènes te vangen in één beeld. Claudio Abate maakt de opkomst van de beweging in Rome van dichtbij mee. Galerij L'Attico zet ‘Spazio degli elementi. Fuoco, Immagine, Acqua, Terra’ ('Domein van de elementen. Vuur, beeld, water, aarde') op het programma, met Jannis Kounellis, Pino Pascali en Pistoletto. Geen enkel materiaal is verboden, er ontstaat een nieuwe poëzie van de ruimte als plek waar alle energieën worden geactiveerd, zoals het geval is in de werken van Marisa Merz Scarpette. Vanaf nu moet het voorwerp worden losgelaten om alle mogelijke experimenten met gebeurtenissen toe te staan.

Na de deelname van de arte povera-kunstenaars aan de tentoonstelling 'When Attitudes Become Form' ('Wanneer attitudes vormen worden'), die Harald Szeeman in 1969 organiseert in Bern, installeren de Romeinse kunstenaars een nieuwe manier van denken over het principe van osmose tussen natuur en cultuur en brengen de kunstwereld in beroering: Mario Merz maakt zijn eerste iglo Che fare. Pascale creëert zijn vervaarlijke Vedova blu. Kounellis maakt met een iconoclastisch gebaar een installatie van twaalf levende paarden in galerij L’Attico. Claudio Abate ziet onmiddellijk dat de kunstenaars via deze installaties een nieuwe relatie met de tijd en ruimte doen ontstaan, gebaseerd op directe experimenten met de werkelijkheid. De uitdaging is om het levendige, het menselijke en de levende energie vast te leggen in de foto’s. Voor deze kunstenaars is de ruimte geen ding op zich, maar een realiteit die verschillende materialen en voorwerpen met elkaar in verband brengt en een ‘alchemistisch’ mengsel van het banale en het edele vormt. De performance komt overeen met een tijdelijke, ruimtelijke en emotionele situatie, gerealiseerd op een exacte datum en een vastgestelde plaats, in aanwezigheid van een beperkt publiek of zelfs in afwezigheid van publiek. Wanneer het werk versmelt met de hic et nunc-ervaring van de totstandkoming ervan, ontstaat de vraag hoe het kan worden vastgelegd. Veel acties vonden het publiek uitsluitend via de fotografie, in het bijzonder toen de foto’s werden gepubliceerd. Hoewel de kunstenaars hebben nagedacht over de documentaire kracht van de fotografische afbeeldingen, hebben ze met Claudio Abate eveneens de plastische mogelijkheden gepeild van een medium dat zeker gedeeltelijk bepalend was voor de esthetiek van hun werkwijze.

“Ik moest het volledige werk in één beeld samenvatten, want vaak zou maar één beeld blijven bestaan van een werk van dit genre. Dit beeld moest het werk en de gedachte van de kunstenaar volledig vertegenwoordigen, het moest herkenbaar zijn voor de kunstenaar zelf en deze moest het aanvaarden als de definitieve beeltenis van zijn werk, alsof het van hemzelf was.”

De blik van Claudio Abate overstijgt de artistieke propositie; hij anticipeert op de gebeurtenis in de tijd. Niet alleen op wat blijft, maar op wat is. Hij laat een beeld verschijnen dat zijn eigen bedenksel is, waarmee hij in de meeste gevallen zelf mede-maker van het werk wordt. Het bijzondere gebruik van zwart en wit bij Abate schept een unieke beelddimensie, ingebed in de verbeelding van de materie. Het onthult de geheimzinnige uitstraling van de schaduw van de voorwerpen, doordrongen van een voorafgaand licht dat de ogen niet bereikt. Het licht van de schaduw is het meest karakteristiek voor zijn werk, eindeloos veel krachtiger dan de banale helderheid van daglicht. Het oppervlak en de diepte van deze foto’s hebben schakeringen waarin de schoonheid van Byzantijnse iconen opflakkert: licht-donker, discursief-onzegbaar, vast-vluchtig, natuur-illusie, echt-gekunsteld. 
Alles draait om de mens, de mens die op zoek is naar zichzelf en naar zingeving, tussen het technische en het metafysische in.

- Natacha Carron

克劳迪奥·阿巴特

「贫穷艺术 — 罗马艺术生态」

策展人：Natacha Carron

2018年5月24日—7月28日

“克劳迪奥非常用心地，以一种温情的态度，用摄影记录下了我的几件作品。同时，他充分理解他的周遭，准确地捕捉了这些形态之间的戏剧性冲突。

—— 雅尼斯·库奈里斯（Jannis Kounellis）

阿尔敏·莱希画廊荣幸地在其布鲁塞尔空间呈现意大利摄影大师克劳迪奥·阿巴特（Claudio Abate）的一系列摄影作品，它们见证了上世纪贫穷艺术运动（Arte Povera）在罗马的兴起。

在这一时期，阿巴特对摄影采取了一种更自然的、转瞬即逝的、直觉性的态度，将艺术史上这些不朽且独特的瞬间定格：无论是比诺·帕斯卡里（Pino Pascali）于1968年创作的《蓝寡妇》（Vedova blu），还是两年后吉塞普·佩诺内（Giuseppe Penone）的《倒转视线》（Rovesciare I propri occhi）；又或是1971年毛里奇奥·莫切蒂（Maurizio Mochetti）的《每秒120米》（120 metri al secondo），以及1969年库奈里斯的经典作品《马》（Cavalli）。

这些作品不仅呈现了克劳迪奥如何完美地展示了这些艺术大师的卓越创作，以及记录了珍贵的行为表演，他们中的每一件也都应当被作为独立的艺术作品来欣赏。克劳迪奥不仅仅只是一位摄影艺术家，他也是欧洲这些出乎意料的艺术革命的见证者。他以镜头语言构建了这一时期艺术历史事件的珍贵档案：如果没有他，我们就没有对这段艺术史如此珍贵的记录。第二次世界大战后，在达达主义持续的影响下，欧洲大陆全新的创造力迅速爆发：例如博伊斯（Beuys）这样的艺术家们所带来的挑战和冲击从雕塑、艺术和创造领域延展到了生活中的每一个领域。任何人都可以成为艺术家，因为每一件作品就是世界本身。当时在意大利，卢齐欧·封塔纳（Lucio Fontana）和皮耶·罗曼佐尼（Piero Manzoni）都已经开始通过他们各自的方式探索如何拓展艺术行为的边界。作为对消费社会的抵抗，贫穷艺术承接了博伊斯的艺术理念，并继而选择了自然的、直觉性的以及短暂存在的事物作为媒介。他们打破了如音乐和戏剧等艺术形式的边界，甚至模糊了艺术与生活间的边界。阿巴特很快加入了他们，为自己提供了一个思想上的“白板”（tabula rasa），作为其创作的起点。例如，1959年，他在一次名为「发生」（Happening）的展览上，他结识了意大利导演卡尔梅洛·贝内（Carmelo Bene）和实验戏剧（Teatro Laboratorio）。自此，阿巴特发现，一个简单的视角其实就足够展现全部的场景。在罗马，阿巴特被列入贫穷艺术运动诞生的发起者之列。在阿迪科画廊（L’Attico gallery）举办的展览「空间元素。火、图、水、地」（The space of the elements. Fire, Image, Water, Earth）中，展出了包括库奈里斯（Jannis Kounellis）、比诺·帕斯卡里（Pino Pascali），以及皮斯特莱托（Pistoletto）等艺术家的作品。展览中没有对材料的限制，并且建立了一种新的“空间诗学”。一切的能量都被激活，例如马里萨·梅尔斯（Marisa Merz）的作品中的“鞋子”（Scarpette）。他们认为，将这些物件简单地留下反而能够让它们释放无限的可能性。

一些贫穷艺术家受邀参加了于1969年，由策展人哈罗德· 史泽曼（Harald Szeemann）在伯尔尼美术馆（Kunsthalle Bern）举办的极具开创性的展览「当艺术变为形式」（When Attitudes Become Form）。他们在自然与文化的渗透中开发出全新的思维模式，翻转了艺术世界在此之前一些既有的规则。马里奥·梅尔斯（Mario Merz）随后创作了他的首件《如何制造圆顶》（Che fare igloo）；帕斯卡里创作了他广为人知的作品《蓝寡妇》（Vedova blu）；当然还有库奈里斯极具反传统的作品：他在阿迪科画廊中展出了十二匹活马。阿巴特见证了这些艺术先锋如何通过直接的体验与时空建立新的联系。而他所挑战的是在其照片中扑捉到这种生动、活泼以及人性化和纯粹的能量。对于贫穷艺术运动中的艺术家而言，空间不仅仅是一个单纯的事物，更是一种现实。这种现实使得本无关连的材料和物质联结，如同“炼金术”一般，将平凡和高贵融合。

行为艺术常以时空及情感为情境，在确定的时间和地点，按照预设的时长，为了一小群观众，甚至是在没有观众的情况下进行的表演。当这种艺术体验结束，艺术品留存的问题就会随之产生，许多行为艺术是通过摄影或印刷品来记录的。当然，艺术家们在认可摄影的纪录功能的同时，也确立了摄影作为独立的艺术媒介的力量。就像阿巴特的作品一样，它们成为了被记录的行为作品的美学中的一部分。

“我不得不只用一张照片来总结整件作品，因为往往人们不希望有超过一张照片的记录。因此，它必须准确地表现作品及艺术家的意图。艺术家自己必须承认它，并接受它作为其作品的形象，就好像是他自己的作品一样。”  

阿巴特的视角必须超越艺术家的意图，他不能只捕捉到那些正在进行中的动作。除此，他既需了解行为艺术需要留下什么，也得完全理解作品的本质。他通过自己原创的图像语言，与镜头另一侧的作品对话，并共同塑造着作品。他对黑与白的使用创造出一种独特的视觉维度，引发观者运用其想象力对材料进行观察和思考。他隐藏在由背光物体投射出的神秘阴影中，这些空间似乎无法透过眼睛观测。阿巴特作品的特点是展现隐藏在黑暗中的光明。他创作的图像，无论表面还是内部，都闪烁着迷人的光辉，令人联想到拜占庭之美：明暗的对比、莫名的言语、固定与逃离、自然的虚幻、臆想的真实……在此，我们真正面对的，是一个寻找自我，在艺术技巧和形而上学之间建立联系的艺术大师。

Natacha Carron