Dialogues

Almine Rech is pleased to present Dialogues, a group exhibition of works by Karel Appel, Don Brown, Agustín Cárdenas, César, Günther Förg, Sylvie Fleury, Carlos Jacanamijoy, Annie Morris, and Mimmo Rotella.

Some of the works in this show of major artists express a pure harmony. This is true of Don Brown’s bronze Eriko (2021), presented for the first time at Almine Rech, which represents a girl huddled on the floor, perched on a base of the same deep black. At first glance, she could seem to be a continuation of ancient sculpture or the Roman neoclassicism of Canova’s Cupid and Psyche. However, her clothing – a leotard – clearly anchors her in the current era. Her fragility and delicacy, emphasized by the oversized height of the base, make her a perfect allegory. In his quest for grace and the sublime, Don Brown is driven by a sense of detail and extreme refinement, where any idealization has disappeared.

Tangible harmony is also conveyed by the new work of British artist Annie Morris, whose artistic practice also includes painting, drawing, and tapestry. She studied under Giuseppe Penone at the École des Beaux-Arts in Paris and shows a piece from Stacks, her symbolic series of towers made of colored spheres. In a fragile equilibrium, sculpted of plaster and sand, these mineral balls covered with pure pigments – particularly cadmium red, ultramarine blue, and emerald green – are stacked on a concrete base of similar verticality. The piece blends figuration and abstraction, collective and personal experience.

Quite different from this harmony but with a similar desire to grasp fragility, the oil painting Personnage (1969) and the multicolored painted sculpture Head (1975) by Karel Appel, cofounder of the CoBrA movement in 1948, fluctuate between the expressionistic grotesque and popular humor, between animality and a children’s drawing. Their resemblance to unbridled but meticulous art brut brings them into the territory of the unconscious.

Cheek Fabric (Peach), a new piece from Sylvie Fleury’s painting series Eye Shadows, shows the fascination that cosmetics and their palette of colors exert over the Swiss artist and is also related to monochrome painting and the tondo. With the gentle yet sharp irony that characterizes her polymorphic work, which also expresses an exceptional feminist intelligence, this UFO-style painting with its sparkly pigments goes beyond post-Duchampian practice. The piece questions the masculine/feminine paradigm as well as the vanity of the world and the way that the art world is manufactured. Sylvie Fleury has created a figurative work representing a make-up item that is also a monochrome painting.

Many of the artworks in Dialogues radiate sensuality. It is evident in the works of Sylvie Fleury and Don Brown, and is influenced by primitivism in the work of Cuban artist Agustín Cárdenas, producing a disturbing strangeness. His two black bronzes, La Fiancée du cheval (1984), with its totem-like appearance, and the anthropomorphic Bouba (1974), are also connected to modernist sculpture bordering on abstraction, recalling Arp or Moore. Agustín Cárdenas is also known for having produced many direct carvings of Carrara marble in a more classical tradition.

An important figure of postmodernism and new German painting, Günther Förg created abstract art that never reproduced the same style twice or repeated the same decisions. He was fascinated by the ability of painting to manifest itself in its physicality, materiality, and chromatic tones, to construct its own architectural space. His work gives rise to questions of utopia, our relationship to nature, the passing or suspension of time. These are clear signs of modernity, from Mondrian to de Kooning, from the façades of Bauhaus buildings to Cy Twombly or the grid motif. In this Gitterbilder from 2002, Förg’s unique gesture, the covering in strata of blues and yellows and the particular texture that the wood medium provides, summon sensuality and restraint.

The pop geographies of César and Mimmo Rotella (both part of the Nouveau Réalisme movement) are in immediate dialogue with each other. The gallery presents works from the Italian artist’s final years, the 2000s. Much earlier, in 1953, Mimmo Rotella discovered that advertising posters could serve as material for his artworks. Famous for his “doubles décollages,” which were first produced in the streets of Rome and then in his studio, where he mounted them on canvas, he worked using movie posters, such as the famous image of Marilyn Monroe from The Seven-Year Itch, an Elvis Presley movie, or Martin Scorsese[KA1] ’s Gangs of New York, adding paint and pieces of monochromatic paper. He established a new language of the street that was poetic with abstract elements, and renewed the possibilities of what a painting could be.

We see the same movement from urban daily life into the studio in one of César’s final compressions, Compression Monaco (bleue), a masterful series in his oeuvre. The French artist compressed many different objects, including race cars, sheet metal from advertising signs, papers, and jewelry. The prince of the scrapyard took on the challenge of pitchers with enamel in 1994, in a rare artwork that approaches bas-relief.

Carlos Jacanamijoy’s abstract, atmospheric, colorful, lush landscapes are inspired by nature – specifically by the jungles of Colombia. Borrowing from American color field painting, the Colombian artist’s two new large-scale paintings, Caminos de agua and Caminos de luz, are his first to be shown at Almine Rech. Not completely abstract but almost landscapes, these paintings create a space of hypnotic depth that is spiritual and intense, hinting at the memory of nature as a perceptive experience and an imaginary world of tales with a fascinating universality.

— Charles Barachon

Almine Rech est heureuse de présenter Dialogues, une exposition collective réunissant des œuvres de Karel Appel, Don Brown, Agustín Cárdenas, César, Günther Förg, Sylvie Fleury, Carlos Jacanamijoy, Annie Morris et Mimmo Rotella.

Ces œuvres d'artistes majeurs font écho, pour certaines, à la pureté. Ainsi du bronze de Don Brown, Eriko (2021), montrée pour la première fois à la galerie : une jeune fille recroquevillée au sol sur elle-même, juchée sur un socle du même noir profond. Elle pourrait, au premier regard, sembler prolonger la sculpture antique ou le néoclassicisme romain de l'Amour et Psyché de Canova. Son habit, néanmoins – un body –, l'ancre sans aucun doute dans notre époque. Sa fragilité, sa délicatesse, renforcées par la hauteur surdimensionnée du socle, en font une parfaite allégorie. Dans sa quête de la grâce et du sublime, Don Brown est conduit par un sens du détail et de l'épure prodigieux, où toute idéalisation s'est évaporée.

Une autre pureté tangible se dégage dans la nouvelle œuvre de la Britannique Annie Morris, qui pratique aussi la peinture, le dessin et la tapisserie, a étudié à l’École des Beaux-Arts de Paris sous la direction de Giuseppe Penone. Elle fait partie de sa série emblématique de tours de sphères colorés (Stacks). En équilibre fragile, sculptées dans le plâtre et le sable, ces boules minérales recouvertes de pigments purs  – rouge de cadmium, bleu outremer et vert émeraude notamment – sont empilées sur un socle de béton d'une verticalité semblable. L’œuvre enchevêtre figuration et abstraction, expérience personnelle et collective.

A l'opposé de cette pureté mais avec une volonté parente de saisir la fragilité, l'huile sur toile (Personnage, 1969) et la sculpture peinte (Head, 1975) aux couleurs bariolées de Karel Appel, cofondateur du mouvement Cobra en 1948, oscillent entre le grotesque expressionniste et le comique populaire, l'animalité et le dessin d'enfant. Leur ressemblance avec un art brut débridé mais minutieux les font entrer sur le territoire de l'inconscient.

La nouvelle production de la série des Eye Shadows Paintings de Sylvie Fleury (Cheek Fabric (Peach)) témoigne de la fascination que la cosmétique et ses palettes de couleurs exercent sur l'artiste suisse, tout en s'installant dans le champ du monochrome et du tondo. Avec l'ironie à la fois douce et incisive qui caractérise son œuvre polymorphe dotée d'une intelligence féministe hors pair, ce tableau ovni aux pigments pailletés dépasse la pratique post-duchampienne. L’œuvre questionne en effet le paradigme masculin/féminin autant que la vanité du monde ou la manière dont le monde de l'art se fabrique. Sylvie Fleury réalise ici une œuvre figurative, puisqu'elle représente un objet de maquillage, qui est aussi une peinture monochrome.

Dans la plupart des œuvres de ces Dialogues, la sensualité rayonne. Évidente chez Sylvie Fleury et Don Brown, elle se nourrit de primitivisme chez le Cubain Agustín Cárdenas pour produire une inquiétante étrangeté. Ses deux bronzes noirs, La Fiancée du cheval (1984), aux allures de totem, et l'anthropomorphique Bouba (1974), regardent également du côté de la sculpture moderniste aux franges de l'abstraction, celle de Arp ou de Moore. Agustín Cárdenas est aussi reconnu pour avoir réalisé, dans un héritage plus classique, de nombreuses tailles directes sur marbre de Carrare.

Figure capitale de la postmodernité et de la nouvelle peinture allemande, créateur d'une abstraction jamais encline à reproduire deux fois une même manière, ni à répéter les mêmes décisions, Günther Förg est fasciné par la capacité de la peinture à se manifester d'elle-même, dans sa physicalité, sa matérialité et ses tonalités chromatiques. A construire son propre espace architectural, d'où surgissent les questions de l'utopie, du rapport à la nature, du passage ou de la suspension du temps, des signes manifestes de la modernité, de Mondrian à de Kooning, des façades des immeubles du Bauhaus à Cy Twombly ou encore au motif de la grille. Dans ce Gitterbilder de 2002, la gestuelle singulière de Förg, le recouvrement en strates des bleus et des jaunes et la texture particulière qu'apporte le bois du support, convoquent sensualité et pudeur.

Les géographies pop de César et de Mimmo Rotella, qui fit également partie de Nouveaux Réalistes, entretiennent entre elles un dialogue immédiat. La galerie présente des œuvres des dernières années de l'Italien, celles des années 2000. Bien plus tôt, en 1953, Mimmo Rotella découvre que l'affiche publicitaire peut servir de matériau à ses œuvres d'art. Célèbre pour ses « doubles décollages » d'affiches, d'abord réalisés dans les rues de Rome puis dans son atelier où il les maroufle sur toile, il travaille ces années-là à partir de l'affiche du non moins célèbre Sept ans de réflexion joué par Marilyn Monroe, de celle d'un film avec Elvis Presley ou du Gangs of New York de Martin Scorcese, pour laquelle il ajoute de la peinture et des morceaux de papier monochromes. Il établit alors un nouveau langage de la rue, poétique et aux touches abstraites, renouvelant les possibilités du tableau.

Même mouvement du quotidien de la ville vers l'atelier dans l'une des ultimes compressions de César, Compression Monaco (bleue), série magistrale dans son œuvre. Voitures de rallye, tôles issues de panneaux publicitaires, papiers ou bijoux, le Français a compressé de nombreux objets. Ce sont des brocs rehaussés de peinture émail que le prince de la casse automobile a défiés en 1994, dans une œuvre rare proche du bas-relief.

C'est davantage dans la nature, la jungle colombienne plus précisément, que les paysages abstraits, atmosphériques, colorés et luxuriants de Carlos Jacanamijoy trouvent leur inspiration. Emprunts de color field américain, ses deux nouvelles peintures de grand format titrées Caminos de agua et Caminos de luz marquent la première présentation de l'artiste colombien à la galerie. Pas tout à fait abstraites, presque paysages, ces peintures créent un espace d'une profondeur hypnotique intense et spirituelle, où affleurent la mémoire de la nature comme expérience perceptive, un imaginaire de contes et une universalité fascinante.

— Charles Barachon