Alejandro Cardenas OLYMPIA

Almine Rech Gstaad is pleased to present 'OLYMPIA', Alejandro Cardenas's sixth solo exhibition with the gallery, on view from December 21, 2024 to February 2, 2025.

In Ancient Greek mythology, the god Prometheus is best known for giving humanity fire and thus sparking the creation of civilization - and in turn its downfall. For the artist Alejandro Cardenas, this archetypal starting point is also a way to discuss our contemporary relationship to culture and meaning.

His exhibition 'OLYMPIA' brings together a suite of artworks that questions the role of painting in the context of accelerated image culture. The artist draws from the mutable nature of mythology, though in a very loose way, instead, we see an unfolding set of narrative works where unreal characters engage and play with fire in their pictorial landscape.

Art history is central to Cardenas’ work. The exhibition title brings to mind the work of Manet or Cézanne. His aesthetic and compositional influences range from the oddness of Balthus and Christian Schad, to the stylized approach to form and line in Henry Moore and Roberto Matta. Yet, what makes Cardenas of the now is how his work also is infused by the forms of car mechanics, post-modernist furniture, Instagram memes, and the shape and structure of insects.

He is currently fascinated by how technology, social media, and our accelerated sense of hyper connectivity has called meaning itself into question, how the bombardment of images, text and ‘content’ in our lives has lessened the impact of all meaning and language. The increasingly banal experience of seeing violence or death while waiting in line to order a sandwich. His work, however, is not negative. There is hope and humor here.

Caspar David Friedrich is another current reference. The nineteenth century painter is the poster boy for the romantic ideal of humanity’s engagement with the power of nature. Cardenas questions how the sublime can exist in the now. He notes the commitment and indulgence of engaging with an artwork. The choice to engage with a slow object created over hours and contemplated over time. Interesting that his figures are often seated, paused in movement or depicted in contemplation – leaning or reclining in their environments. His paintings question belief.

Alongside high culture, Cardenas was equally as inspired for the group of compositions by a video circulated on social media of an erupting volcano in Ecuador, filmed at night, hit by lightning. The reaction of those watching broke through to the artist in a visceral way. It initiated an engagement with the symbolic. His approach to painting fire has the same sense of stylisation as his figures. The motif is depicted in different ways. Frozen in movement, psychedelically coloured, emerging from figures, walking out of a fireplace.

Cardenas’ figures exist in a non-space, an infinite context. Organic within the matrix. It gives his compositions an ambiguous oddness, but also knits together the works narrative as an exhibition. Storyboard like. There is a strong awareness of flatness and depth in the work. The volume of space or object sometime exaggerated by pattern or line. We are aware we're looking at a painting. We are aware this is not reality. This is representation without doubt.

The artist’s paintings often play with perspective to highlight that we are engaging with a three-dimensional image on a flat plane. In some cases, in his work he plays with the diagonal view, axonometric perspective used in architectural renderings. At these moments that edge away from traditional perspective the works feel more abstract and unreal.

That abstract sense is also evident in the figure. His characters are intentionally faceless – unreal, skeletal, stylized forms that are stand-ins for the human body or relationships. They touch on the idea of pareidolia - the psychological phenomenon of perceiving pattern or meaning in random visual stimuli. Of seeing human forms in non-human things. The artist presents an imaginative take on the possible human form in a post-surgical future. This feels at its most uncanny, for example, when he has translated his works into sculptures in the past.

Cardenas studied at Cooper Union at a time when conceptualism reigned over aesthetic experimentation and painting was dead. He returned to the medium as a developed artist, after incorporating the digital, graphic and other media into his practice. His process of creating a painting goes through numerous stages. The starting point is imaginative and free. He begins with books of sketches, where he will constantly redraw an idea or composition. This is then mapped out as a digital composition. Yet this anime style version of the works develops dramatically before it is painted. The initial idea or concept Cardenas wishes to communicate shifts. The story changes as it is organized in space. In particular, the artist is conscious of negative space, where those lines intersect the figure in the background. The composition is only finalized once it creates a sense of fluidity – something imperceptible but present. For Cardenas, this is the moment when tension is resolved.

Even at this point, the artist’s take on color and line is mutable. He has a very specific take on palette. Turquoises, sea blues and a particular orange shade of red often emerge. Aware of his subjective relationship to color, the element comes last in his process. As the artist notes, "when it comes to mixing oil paint, it's literally like you are collaborating with the Universe". Pigment combinations actively shift when placed side by side. The artist’s choices can transform in a painting like magic – shifting volume, line, shape, space, meaning.

Painting is a medium unlike any other in art. It carries the weight of history on its shoulders. It is a medium referencing itself – technically and visually. Cardenas is conscious of this history while also feeling very personal and reflecting his own experience. Cardenas refers to painting as a clock – "a time keeping device for humans", he explains. "A painting part of an unbroken chain of production. It's literally civilization".

— Francesca Gavin, writer and curator

La galerie Almine Rech Bruxelles est heureuse de présenter OLYMPIA, la sixième exposition personnelle d'Alejandro Cardenas à la galerie, qui sera ouverte du 21 décembre 2024 au 2 février 2025.

Dans la mythologie grecque, le dieu Prométhée est surtout connu pour avoir donné le feu à l'humanité, déclenchant ainsi la création de la civilisation – et par là même sa chute. Pour l'artiste Alejandro Cardenas, ce point de départ originel typique est aussi un moyen de parler de notre rapport contemporain à la culture et au sens des choses.

Son exposition OLYMPIA regroupe une série d'œuvres qui interrogent le rôle de la peinture dans le contexte de la culture visuelle accélérée. L'artiste s'inspire vaguement de la nature changeante de la mythologie. On voit un ensemble d'œuvres narratives s'y développer où des personnages irréels utilisent et jouent avec le feu dans un paysage peint.

L'histoire de l'art est au cœur du travail de Cardenas. Le titre de l'exposition évoque les œuvres de Manet et de Cézanne. Ses influences esthétiques et compositionnelles vont de l'étrangeté de Balthus et de Christian Schad à l'approche stylisée de la forme et de la ligne d'Henry Moore et de Robert Matta. Cependant, ce qui inscrit le travail de Cardenas dans le présent, c'est la façon dont il s'imprègne des formes de mécanique automobile, du mobilier postmoderniste, des mèmes d'Instagram, ainsi que des formes et des structures d'insectes.

L'artiste est actuellement fasciné par la remise en question du sens même des choses par la technologie, les réseaux sociaux et notre notion de l'hyperconnectivité toujours croissante. Le bombardement d'images, de textes et de « contenus » dans nos vies qui a réduit l'impact de toute signification et de tout langage. L'expérience de plus en plus banale de voir la violence ou la mort tout en faisant la queue pour acheter un sandwich. Son travail n'est cependant pas négatif. Il y a de l'espoir et de l'humour.

Caspar David Friedrich est une autre référence actuelle. Le peintre du XIXe siècle est l'emblème de l'idéal romantique de l’interaction humaine avec les forces de la nature. Cardenas interroge l'existence du sublime dans l'instant présent. Il fait remarquer l'engagement et le plaisir qu'il y a à s'intéresser à une œuvre d'art. Le choix de s'intéresser à un objet lent, créé pendant des heures et contemplé au fil du temps. On notera que ses silhouettes sont souvent assises, figées dans leur mouvement ou représentées en contemplation – appuyées contre quelque chose ou allongées. Ses peintures interrogent la croyance.

En parallèle de la haute culture, Cardenas s’est également inspiré d’un ensemble de compositions dans une vidéo partagée sur les réseaux sociaux d'un volcan en éruption en Équateur, filmé de nuit, illuminé par un éclair. La réaction des internautes a touché l'artiste de manière viscérale, déclenchant un engagement avec la symbolique. Sa manière de peindre le feu se rapproche de la stylisation de ses figures. Le motif est représenté de différentes manières. Figé dans le mouvement, coloré de manière psychédélique, émergeant de figures,  ou sortant d'une cheminée.

Les personnages de Cardenas existent dans un contexte infini, non spatial, organique au sein de la matrice. Ceci donne à ses compositions une étrangeté ambigüe, mais noue aussi le récit des œuvres en une exposition, comme un story-board. Une forte impression de plat émane du travail : le volume de l'espace ou de l'objet est parfois exagéré par un motif ou une ligne. On a bien conscience de regarder une peinture, que ce n'est pas une réalité. On ne doute pas qu'il s'agisse d'une représentation.

Les peintures de l'artiste jouent souvent avec la perspective accentuant l'effet de l'image tridimensionnelle sur une surface plane. Dans certains cas, il utilise un angle en diagonale, la perspective axonométrique utilisée en représentations architecturales. Cet éloignement de la perspective traditionnelle donne à l'œuvre une impression plus abstraite et irréelle.

Ce sentiment d'abstraction se retrouve aussi dans les personnages. Ceux-ci sont volontairement sans visage – formes irréelles, squelettiques, stylisées qui remplacent le corps humain ou les relations. Ils évoquent l'idée de la paréidolie – le phénomène psychologique qui consiste à percevoir des motifs ou des significations dans des stimuli visuels aléatoires, des formes humaines dans des objets non humains. L'artiste offre une vision imaginative de la forme humaine possible dans un avenir post-chirurgical. Ceci est particulièrement déconcertant lorsque, par exemple, il transforme ses œuvres en sculptures, comme il l’a fait par le passé.

Cardenas a fait ses études à Cooper Union à une époque où le conceptualisme régnait sur l'expérimentation esthétique et la peinture était morte. Il revient à cette technique plus tard, après avoir incorporé à sa pratique le numérique, le graphisme et d'autres technologies de communication. Son procédé de production picturale passe par plusieurs étapes. Le point de départ est libre et imaginatif. Il commence dans des carnets de croquis où il redessine sans cesse une idée ou une composition. Celle-ci est ensuite planifiée en numérique. Mais cette version de style anime de l'œuvre est grandement élaborée avant d'être peinte. L'idée ou le concept initial(e) que Cardenas souhaite communiquer évolue. L'histoire change au fur et à mesure qu'elle est organisée dans l'espace. L'artiste est notamment conscient des vides où les lignes croisent les silhouettes en arrière-plan. La composition n'est finalisée que lorsqu'elle présente un sentiment de fluidité – quelque chose d'imperceptible et pourtant présent. Pour Cardenas, c'est l'instant où la tension est résolue.

Même à ce stade, son choix des couleurs et de la ligne peut changer. Sa palette comprend des tons très spécifiques. Turquoises, bleus de mer et une teinte rouge-orange particulière reviennent souvent. L'artiste étant conscient de son rapport subjectif à la couleur, celle-ci est la dernière étape du procédé. Comme il le souligne, « quand il s’agit de mélanger la peinture à l'huile, c'est vraiment comme si on était en collaboration avec l'Univers ». Les pigments changent réellement quand ils sont juxtaposés. Les choix de l'artiste peuvent se transformer au sein d'une peinture comme par magie – changement de volume, de ligne, de forme, d'espace, de signification.

La peinture est une technique unique en art. Elle est chargée d'histoire. C'est une technique qui se fait référence à elle-même – techniquement and visuellement. Cardenas est conscient de cette histoire et de son individualité tout à la fois, son travail étant le reflet de sa propre expérience. Cardenas compare la peinture à une horloge : « un dispositif pour mesurer le temps pour les humains », dit-il. « Une partie picturale dans une chaîne de production ininterrompue. C'est la civilisation même. »

— Francesca Gavin, écrivaine et curatrice