Johan Creten Far removed from the numbing speed

Almine Rech is delighted to present “Johan Creten: Far removed from the numbing speed”. This exhibition offers a more intimate approach to the artist's work with a set of sculptures he calls “library versions”. These pieces, of a size close to the clay models produced before his monumental works—like the Renaissance traditional bronzes that he collects, are designed for the home: to be placed on a desk or nestled between books. As the title's formula ironically suggests, the aim of this exhibition is to pull us out of modern life's saturated pace and digital over-consumption by giving us a more engaging and regenerative personal art experience.

Despite his international success, the Belgian sculptor's work has rarely been shown in Great Britain. In 2005, Odore di Femmina, his porcelain torso, was exhibited in the setting of the Wallace Collection, in a dialog with a collection ranging from the Middle-Ages to the 19th century. In 2010, his half-human half-fruit creature Why Does Strange Fruit Always Look So Sweet? harmoniously blended in the Victorian surrounding of Chatsworth House's Rock Garden. The masterly encounter between these works, which are emblematic of his contemporary ceramic practice, and monuments of British heritage has nevertheless highlighted the “timeless” relationship they have with the past. This blurring of time and spatial reference points builds clear bridges with Symbolism, a movement that sought to create situations of introspective ruptures with the turpitudes of its time, by lyrically plunging us into an elusive time between an old ideal and the construction of a world to come.

This London event follows on from the exhibition “How to explain sculptures to an Influencer?”, when the artworks were first shown. While adding a difference in patina, Johan Creten uses the stage principle of the Parisian installation: on a wooden platform, small bronzes shaped with lost-wax, based on the artist's “bestiary”, including Sauterelle, l’Hippocampe, Mouche morte, l’Hypocrite, and Mouton, as well as mythical figures such as Femme au hareng, are grouped together. A “mural décor” made up of the bas-reliefs La Rencontre and C’est dans ma nature, as well as Miroirs d’argent amplify the composition's narrative character. The panoramic view of the whole can be appreciated from the glazed stoneware plinth-sculptures, which he aptly entitled Points d’observation.

This set-up is reminiscent of the “Gesamtkunstwerk” concept, a fully integrated artwork that dissolves the boundaries between art and life. Furthermore, the narratives that result from this unusual confrontation between the artist's mythological creatures—the large versions of which are found at the Musée d’Art Moderne in Paris, exhibited at the Musée d’Orléans in France, or along the Flemish coast—go beyond the theatrical framework of the animal fable or the commedia dell'arte, delving closer to the depths of Wagnerian dramaturgy. The soothing and contemplative atmosphere that emanates contrasts with the pace of our modern lives, marked by the crushing weight of social media and the excessive abundance of images and information. In the face of “numbing” effects of this overconsumption, the exhibition reveals the artworks' introspective as well as revitalizing power. Johan Creten says: “Each sculpture is an enigma that can be interpreted as a memento mori or as a codified reflection on the vital force of life, endowed with a truly remarkable inner strength.”

Henry Moore, who has influenced the Flemish artist with the monumentality of his work between abstraction and figuration, as well as with his shapes inspired by primitive cultures, established links between the origin of such a “vital force” and the basis of the “Gothic ideal”, a structure element in Johan Creten's allegorical imagery: Unlike the “Greek ideal”, this beauty stands out for the “power of its expression” triggering “a spiritual vitality … that goes beyond our senses … that may be in direct contact with reality; … that perhaps expresses the very meaning of life and arouses a great desire for life.” By virtue of this spiritual consistency, he states that “monumentality is a mental thing”: “The grandeur of a shape comes from the quality of its vision rather than from its physical dimensions. This quality is spiritual in essence, which is why … even tiny sculptures may have this grand presence.”

It may seem appropriate to associate the introspective depth of Johan Creten's creations with a “sacred” experience, as this aspect of his work has been widely recognized, whether through his choice of existential themes, the ancestral materiality of his practice, or the anthropomorphic shapes of his sculptures, inspired by religious or symbolic iconography. Additionally, the Wagnerian character of his stagings reinforces this sacredness. This statement opens up a new avenue by re-contextualizing the artist's productions in the domestic environment. In his book The Sacred and the Profane, Mircea Eliade stresses the transformative power of the sacred in the everyday life of traditional societies. Sacred myths allowed people to return symbolically to the mythical time of the origins, to the moment when the sacred structured the world. This return to the origins allowed the individual or the community to regenerate themselves.

In the continuity of the objects he collects, said to be rooted in the old, or even archaic, imagination, Johan Creten injects, with this set of sculptures, a dose of “sacredness” into our mundane lives. By offering us lyrical interludes that reconnect us to the reality of a universal “Whole”, these works restore an existential meaning into the emptiness of the everyday, disorientated by its hyper-connection to the social media's “virtual” theatre. In these times of turmoil and disillusionment, their depth inspires us, day after day, with the creative energy we need to transform ourselves. Did Baudelaire not see in the Symbolist dream of Wagnerian operas “the index of modernity”, in other words, the advent of a new world?

— David Herman, artistic director and curator

La galerie Almine Rech est heureuse de présenter « Johan Creten: Far removed from the numbing speed ». Cette exposition offre une approche plus intimiste de l’œuvre de l’artiste à partir d’un ensemble de sculptures qu’il nomme des « versions de bibliothèque ». Ces pièces, aux proportions proches des modèles réduits en argile développés en amont de ses productions monumentales – à la manière des bronzes traditionnels de la Renaissance qu’il collectionne – sont destinées à investir l’espace de vie domestique, en étant entreposées sur un bureau, nichées entre des livres. Comme l’exprime avec ironie la tournure oxymorique du titre, cette exposition vise à nous extraire du rythme saturant de la vie moderne et de sa surconsommation digitale en nous faisant vivre une expérience artistique personnelle plus engageante et régénératrice.

En dépit de son rayonnement international, le travail du sculpteur belge a rarement été montré en Grande Bretagne. En 2005, Odore di Femmina, son torse en porcelaine, fut présenté dans l’écrin de la Wallace Collection où elle dialoguait avec une collection allant du Moyen-âge au XIXe siècle. En 2010, sa créature mi-humain, mi-fruit Why Does Strange Fruit Always Look So Sweet? s’intégra harmonieusement dans le cadre victorien du Rock Garden de la Chatsworth House. La rencontre magistrale de ces œuvres emblématiques de sa pratique contemporaine de la céramique avec des monuments du patrimoine britannique a néanmoins permis de mettre en lumière la relation «atemporelle» qu’elles entretiennent avec le passé. Cet effacement des repères spatio-temporels dresse des ponts évidents avec le symbolisme, un courant qui cherchait à provoquer des situations de ruptures introspectives avec les turpitudes de son temps, en nous plongeant avec lyrisme dans un temps insaisissable entre un idéal ancien et l’édification d’un monde à venir.

Ce rendez-vous londonien s’inscrit dans la continuité de « How to explain sculptures to an Influencer? », où les pièces furent exposées initialement. Tout en y apportant une différence de patine, Johan Creten reprend le principe scénique de l’installation parisienne : sur une estrade en bois, sont regroupés des petits bronzes moulés à la cire perdue, puisés dans le « bestiaire » de l’artiste, incluant la Sauterelle, l’Hippocampe, la Mouche morte, l’Hypocrite, ou encore le Mouton, ainsi que des figures mythiques comme la Femme au hareng. Un « décor mural » composé des bas-reliefs La Rencontre et C’est dans ma nature, ainsi que de Miroirs d’argent amplifie le caractère narratif de la composition. La vue panoramique de l’ensemble s’apprécie à partir de sculptures-socles en grès émaillé, qu’il appelle à juste titre des Points d’observation.

Ce dispositif nous rapproche du concept de « Gesamtkunstwerk », une œuvre totalement intégrée qui abolit les frontières entre l’art et la vie. D’autre part, les récits résultant de cette confrontation inédite des créatures mythologiques de l’artiste – dont les versions en grands formats sont conservées au Musée d’Art Moderne à Paris exposées au Musée d’Orléans en France ou le long du littoral flamand – dépassent le cadre théâtral de la fable animalière ou de la commedia dell’arte, pour rejoindre les profondeurs de la dramaturgie wagnérienne. L’atmosphère apaisante et contemplative qui en émane contraste avec le rythme de nos modes de vie, marqué par le poids écrasant des réseaux sociaux et la surabondance d’images et d’informations. Face aux effets « anesthésiants » de cette surconsommation, l’exposition révèle non seulement le pouvoir introspectif mais également revitalisant des œuvres. Selon Johan Creten : « Chaque sculpture est une énigme, qui peut être interprétée comme un memento mori ou comme une réflexion codifiée sur la force vitale de la vie, possédant une force intérieure vraiment remarquable ».

Henry Moore, qui a influencé l’artiste flamand par la monumentalité de son travail entre abstraction et figuration, ainsi que par ses formes puisées dans les cultures primitives, établit des liens entre l’origine d’une telle « force vitale » et les fondements de « l’idéal gothique », élément structurant de l’imagerie allégorique de Johan Creten : Contrairement à « l’idéal grec », cette beauté se démarque par la « puissance de son expression » provoquant « une vitalité spirituelle […] qui va plus loin que les sens […] qui peut être en prise directe avec le réel ; […] qui exprime peut-être le sens même de la vie et suscite un grand désir de vivre ». En vertu de cette consistance spirituelle, il précise que « la monumentalité est chose mentale » : « La grandeur d’une forme résulte de la qualité de sa vision plutôt que de ses dimensions physiques. Cette qualité est d’essence spirituelle, et fait que […] de très petites sculptures peuvent avoir cette ampleur grandiose. »

Il peut paraître convenu d’associer la profondeur introspective des créations de Johan Creten à une expérience « sacrée », tant cette dimension de son travail a largement été reconnue, que ce soit à travers le choix de ses thématiques existentielles, la matérialité ancestrale de sa pratique, ou encore dans les formes anthropomorphes de ses sculptures, inspirées par l’iconographie religieuse ou symbolique. À cela s’ajoute le caractère wagnérien de ses mises en scène qui renforce cette sacralité. Ce propos ouvre une nouvelle voie en recontextualisant les productions de l’artiste dans l’environnement domestique. Dans ses travaux sur le Sacré et le profane, Mircea Eliade rappelle le pouvoir transformateur du sacré dans le quotidien des sociétés traditionnelles. Les mythes sacrés permettaient aux hommes de retourner symboliquement au temps mythique des origines, au moment où le sacré a structuré le monde. Ce retour aux origines permettait à l'individu ou à la communauté de se régénérer.

Dans la continuité des objets qu’il collectionne, réputés pour leur ancrage dans l’imaginaire ancien, voire archaïque, Johan Creten réinjecte, avec cet ensemble de sculptures, une dose de « sacré » dans nos vies ordinaires. En nous offrant des parenthèses lyriques de reconnexion à la réalité d’un « Tout » universel, ces œuvres redonnent un sens existentiel à la vacuité du quotidien, désorienté par son hyperconnexion au théâtre « virtuel » des réseaux sociaux. En ces temps de troubles et de désillusion, leur profondeur nous insuffle, jour après jour, l’énergie créatrice nécessaire à notre propre transformation. Baudelaire ne voyait-il pas dans le rêve symboliste des opéras wagnériens « l’indice de la modernité », autrement dit, l’avènement d’un monde nouveau ?

— David Herman, directeur artistique et curateur