James Turrell Path Taken

Almine Rech Paris is pleased to announce its 12th exhibition in 3 decades with James Turrell organized by the gallery. A new light piece from his ongoing Glassworks series started in 2004 will be on view.

I’ve always wanted to make a light that looks like the light you see in your dream. Because the way that light infuses the dream, the way the atmosphere is colored, the way light rains off people with auras and things like that... We don’t normally see light like that. But we all know it. 
— James Turrell

The man who poked the sticks of burning wood would say he did it to make the fire burn better; but he is none the less fascinated by the colorful drama of change enacted before his eyes and imaginatively partakes in it.
— John Dewey, Art as Experience (1934)

There is just over an hour until sunrise. The first glimmers of dawn have not yet erased the constellations or the sparkling of earthly lights. This is the time of day when James Turrell likes to get into the pilot’s seat. Contact. The dials light up. Green needles, red or green indicators, a yellow light. The vibration of the airplane shakes the cabin. The air is moist, and drops of water shine in the beam of the headlights. The plane glides into the secrecy of the night. The sidelights blink quietly. After a little altitude and a few moments, already, toward the east, a brightening on the horizon announces the day. A pale pearly gray, then a touch of faded yellow, and a barely blueish white try to assault the darkness, which is barely breaking up. The stars that were still so vivid a few minutes ago give up their song. The glow of the dashboard is diluted by the strengthening dawn. Then the ocher of the desert gradually reddens under our wings. Spots of brown, timid traces of dusty trails. A world being recreated. This experience of time, light, colors, and subtle changes in perception is an exceptional journey toward our very selves. This is what Turrell’s work creates. A pared-down voyage, a silent time of contemplation, so that the viewer can explore transformations experienced by all the senses. No objects, no representation, no symbols, no narrative. White walls, shadows, and lights; the viewer, consciousness, and emotions. That’s all. That's all. If we can say that of a poem.

Glassworks
Glassworks: a preverbal poem, preceding words, that places us before the artwork as before a fire or a sea whose every wave holds our body while our mind, detached from analysis, can simply feel the breeze, the attraction, and the colorful scansion of an original rhythm. This is not a luminous artwork, but light arriving as changing matter whose subtle shifts embrace the mental processes of the observers. Our senses are gradually heightened as the shades of colors evolve and vary, controlled by the electronic score. The colors of the work spread onto the walls following the progress of the composition. Reason and attention relax and, as this flow washes over us, we abandon ourselves to an inner imaginative trance.

After lengthy planning, this series benefited from technical advances Turrell made during his work on monuments, including a computer program to create continuous variations and the very subtle use of light-emitting diodes.

During over twenty years of creating installations on buildings, Turrell transformed the idea of lighting, the typical way of highlighting architecture, by substituting an almost aura-like luminous emanation that occurs electronically over time in subtle variations. The Glassworks pieces came out of these explorations. Turrell has always emphasized the time of perception, but now he has added the modulation of light over time, as if measured by the rhythm of our breathing, influenced by his interest in music and dance.

And life...
From childhood, from encounters, discoveries, and adventures, comes the random material of our destiny. Sometimes of our work. And it can be difficult to separate the fertile from the sterile, what was significant from what was negligible. And James Turrell’s experience was so rich and varied, combining so intensely the personal and the theoretical, the private and the mythic, and the subtle and the immense that we can no longer easily distinguish what legend claimed from what was. What effect did the dull and lengthy Quaker meetings of his childhood have on the explorations of processes of consciousness that characterize most of his art?
What resulted from his teenaged discovery of the strange and unjustifiably forgotten work of Thomas Wilfred, a wonderful early- twentieth-century artist who made extraordinary luminous abstractions, which unfolded over time by means of a mechanical program, and whose work Turrell saw in the late 1950s at the Museum of Modern Art in New York?
There are other episodes that clearly formed his thinking and his approach. His life as an accomplished aviator, and his secret missions to the Himalayas in challenging weather conditions to support Tibetan rebellions, which put him in situations of extreme optical disorientation. Or, in a university program on the relationship between art and technology, his experiments with NASA researchers on the effects of acceleration on the consciousness of the flight crew. And his studies of the psychology of perception and mathematics and, of course, the books he read, such as Night Flight by Saint-Exupéry and especially Art as Experience. This famous book by John Dewey published in 1934 made a big impression on the young James Turrell, having already influenced the history of the American avant-garde. It led Thomas Hart Benton at the time of the WPA Federal Art Project, then John Cage, Pollock, Kaprow, and many others to base their aesthetic approach on exploring the sensations stimulated by art and devising cooperation between artists and participants, such as happenings.

The exceptional adventure of the Mendota Hotel in Ocean Park (between Venice and Santa Monica) began in 1966 and was a turning point. This old hotel that was rented and turned into a huge studio became the spatial and temporal source of James Turrell’s luminous inventions. He used the twelve rooms in the building as a cosmic clock in which he built and affirmed his ideas by creating cycles of works that would become manifestos of his approach. There were projections and external luminous events through openings that were meticulously calculated, with some spaces devoted to twilight and others to night, dawn, or midday. This was already the creation of a contemplative overall environment whose means were light—sculpted light, shaped by the artist. During its physiological path through the retina, the light was transformed into a psychic effect, showing that the relationship between sensation and perception is the true medium of Turrell’s work.

The spaces of the Mendota Hotel had thus been made attentive to celestial events. The same would be true of the Roden Crater, the volcano that the artist spotted from an airplane in 1974 and which is now certainly the most ambitious artwork ever developed on our planet.

The transformation of the Roden Crater is nothing more than the result of experiences that began 40,000 years ago in Paleolithic caves in Borobudur, Chichén Nitza, or Angkor, these essential observatories of ourselves. This is what the experienced eyes of Gene, the Hopi chief of the Eagle clan, saw and understood when he stretched out with Turrell under the dome of the sky in the crater of the volcano. He knew, without having to speak a word, that in this monument James was reconciling timelessness and the present day, the light of our dreams and that of the cosmos. That’s all.

— Jean de Loisy, Art critic and curator

Almine Rech Paris a le plaisir d'annoncer sa 12e exposition avec James Turrell, en 3 décennies. Une nouvelle œuvre de lumière de l’artiste, issue de sa série Glassworks en cours depuis 2004, y sera présentée. 

J’ai toujours voulu créer une lumière semblable à celle que nous voyons dans nos rêves, reproduire la façon dont la lumière s’infiltre à travers nos songes, colore l’atmosphère ou révèle l’aura d’une personne.
— James Turrell

Un homme occupé à tisonner le bois dans l'âtre peut considérer que son action a pour but d' attiser le feu ; mais il n'en reste néanmoins qu'il est fasciné par ce drame coloré du changement qui se joue sous ses yeux et qu'il y prend part en imagination.
— John Dewey, L’art comme expérience (1934)

Un peu plus d’une heure avant le lever du jour. Les premières lueurs de l’aube n’effacent pas encore les constellations ni le scintillement des lumières terrestres. C’est le moment qu’affectionne James Turrell pour prendre les commandes de l’avion. Contact. Les cadrans s’allument. Aiguilles vertes, témoins rouges ou vert, lampe jaune. La vibration de la machine ébroue la carlingue. Air humide, gouttelettes brillantes dans le faisceau des phares. L’appareil glisse dans l’intimité de la nuit. Les feux de position clignotent paisiblement. Un peu d’altitude, quelques instants et, déjà, vers l’est, une clarté à l’horizon annonce le jour. Une pâleur gris perle, puis une touche de jaune délavé et un blanc à peine bleuté tentent de monter à l’assaut de l’obscurité qui se disloque à peine. Les étoiles encore si vives il y a quelques minutes renoncent à leur chant. Les luisances des instruments de bord sont diluées par l’aurore qui s’affirme. Puis l’ocre du désert rougit peu à peu sous les ailes. Taches brunes, tracés timides des pistes poussiéreuses. Un monde se recompose.

Cette expérience de la durée, de la lumière, de ses couleurs, des modifications subtiles de la perception est le singulier chemin vers nous-même auquel nous invite l’œuvre de Turrell. Un voyage dépouillé qui permet au regardeur, dans le temps silencieux de sa contemplation, d’explorer les transformations que tous ses sens mobilisés par l’installation subissent. Pas d’objet, pas de représentation, pas de symbole, pas de récit. Murs blancs, ombres et lumières, et le regardeur, sa conscience, ses émotions. C’est tout. C’est tout, si l’on peut dire cela d’un poème.

Glassworks
Glassworks : un poème préverbal, antérieur aux mots, qui permet de rester devant l’œuvre comme devant un feu ou une mer dont chaque vague retient le corps alors que l’esprit, détaché désormais de l’analyse, se satisfait d’être inondé par le souffle, la saveur et la scansion colorée d’un rythme originel. Ce n’est pas une œuvre lumineuse, mais l’avènement d’une lumière- matière qui se modifie et dont les glissements épousent les processus mentaux de l’observateur. Celui-ci est confronté à l’évolution simultanée de ses sens qui s’aiguisent peu à peu et à celle des nuances de couleurs dont les variations sont contrôlées par la partition électronique. Les teintes de l’œuvre se propagent et colorent les murs selon les progrès de la composition. La raison, l’attention se relâchent alors et le regardeur baigné dans ce flux s’abandonne à une rêverie intériorisée et créative.

Cette série, longuement préméditée, a bénéficié des avancées techniques que ses interventions sur des monuments lui ont permis de maîtriser. En particulier la conduite informatique d’un programme de variation continue et l’utilisation très fine des diodes électroluminescentes. Depuis plus de vingt ans, invité à intervenir sur des architectures il a transformé l’idée d’éclairage, solution usuelle pour mettre en valeur des architectures, en y substituant une émanation lumineuse, presque auratique, qui se développe électroniquement dans le temps en subtiles variations. La série des Glassworks est issue de ces explorations et ajoute au temps de la perception que Turrell a toujours privilégié, la modulation de la lumière dans la durée, comme mesurée au rythme de notre respiration, sans doute influencé par son intérêt pour la musique et la danse.

Et la vie..
Chacun retire de son enfance puis de ses rencontres, de ses découvertes, de ses aventures le matériau hasardeux de son destin. Parfois de son œuvre. Et il est difficile de dénouer ce qui fut fécond de ce qui fut stérile, ce qui est une cause de ce qui fut négligeable. Et pour James Turrell l’expérience est si riche, si diverse, s’y mêlent si intensément l’intime et le théorique, le privé et le légendaire, le discret et l’immense que l’on ne sait facilement distinguer ce que l’histoire a enrichi ou ce qu’elle fut.
Quelle part eurent les longues et ennuyeuses séances de méditation dans la salle de la communauté quaker de son enfance sur la mise en place de dispositif d’exploration des processus de conscience qui caractérisent la plupart de ses œuvres ?
Ou encore, quel fruit produisit la découverte, alors qu’il était encore adolescent de l’œuvre étrange et anormalement oubliée de Thomas Wilfred, cet artiste magnifique qui au début du XXe siècle réalisa d’extraordinaires abstractions lumineuses développées elles aussi dans le temps, selon un programme mécanique, et dont il vit le travail à la fin des années cinquante au musée d’art moderne de New York ?
Il est plus assuré de considérer d’autres épisodes comme constitutifs de sa pensée et de sa démarche. Sa vie d’aviateur émérite, ses missions clandestines dans des conditions météorologiques complexes dans l’Himalaya pour soutenir les révoltes tibétaines ce qui le confronta à des situations d’extrême désorientation optique. Ou encore, dans le cadre d’un programme universitaire consacré aux relations entre art et technologie, ses expériences avec les chercheurs de la Nasa sur les effets de l’accélération sur la conscience des navigants. Et aussi, ses études de psychologie de la perception et de mathématique ou, sans doute, la lecture de livres fameux, Vol de Nuit de Saint Exupéry ou surtout, L’art comme expérience : ce célèbre ouvrage de John Dewey publié en 1934 aux états unis qui impressionna le jeune James Turrell, et avant lui, l’histoire de l’avant- garde américaine. Thomas Hart Benton à l’époque du Federal Art Project, puis John Cage, Pollock, kaprow et bien d’autres qui, comme ceux-ci, influencé ou pas par Dewey firent de l’exploration des sensations mobilisées par l’art et de la co-créativité entre artiste et participants, à des happening par exemple, le ressort de leur démarche esthétique.

Déterminante, commencée en 1966 fut l’exceptionnelle aventure du Mendota Hotel à Ocean Park entre Venice et Santa Monica. Cet ancien hôtel loué et transformé en vaste atelier devint la matrice spatiale et temporelle des inventions lumineuses de James Turrell qui utilisera les douze salles du batiment comme une horloge cosmique dans laquelle il construisit et affirma ses partis pris en réalisant des cycles d’œuvres qui deviendront les manifestes de son travail. Projections, introduction des événements lumineux extérieurs par des ouvertures soigneusement calculées, espaces consacrés au crépuscule, d’autres à la nuit, à l’aurore ou au plein jour. C’est déjà la création d’un environnement global contemplatif dont le moyen est la lumière, une lumière sculptée, formée par l’artiste et qui se transforme lors de son passage physiologique par la rétine en effet psychique, démontrant ainsi que la relation entre sensation et perception est le véritable medium de ses œuvres.
Les espaces du Mendota Hotel avaient été ainsi rendus attentifs aux événements célestes comme le deviendra le Roden Crater, ce volcan repéré d’avion par l’artiste en 1974 et qui est certainement aujourd’hui l’œuvre d’art la plus ambitieuse développée sur notre planète.

La transformation du Roden Crater n'est en effet que la suite des expériences commencées voici 40.000 ans dans les grottes paléolitiques, poursuivies à Borobudur, a Chichén Nitza, à Angkor, ces observatoires essentiels de nous mèmes. C’est ce que l’œil exercé de Gene, le chef Hopi du clan des aigles a vu et compris lorsqu’avec Turrell ils s’allongeaient sous le dôme du ciel, dans la vasque du volcan. Il sut, sans qu’il lui fût nécessaire de prononcer une parole, que James réconciliait dans ce monument, à la fois l’immémorial et le présent, la lumière de nos rêves et celle du cosmos. C’est tout.

— Jean de Loisy, critique d'art et curateur